Dopo aver ascoltato So dark you see posso comunque riconfermare che John non è decisamente nelle mie corde. Tuttavia un’analisi la merita il cantautore originario del New Jersey. Innanzitutto va considerato il fatto che il disco consta di sedici pezzi, forse troppa roba, ché i novizi potrebbero stancarsi. Tuttavia bisogna tener presente che Fret one, Fret not (tra le cose migliori e più vivaci, vivaddio, del lotto) e Utah (questa in realtà non si capisce bene cosa sia) sono pezzi strumentali, intermezzi che permettono di mettere bene a fuoco i minuti di ascolto precedenti.

 

Bisogna considerare poi che The dutchman, Trouble in mind, I think of you e A fond kiss (profonda e greve come dovesse essere colonna sonora di uno degli eventi più pesanti del grande romanzo americano, nonostante sia del poeta scozzese Robert Burns) sono delle cover (rilette, in realtà, in chiave gorkiana: chitarra e voce in primo piano). Quindi le composizioni di Gorka tra arpeggi e la sua intensità vocalica: Can’t get over it, Where no monuments stand, Night into day, That was the year. Più vivaci, e giocoforza incalzanti, Ignorance & privilege, Free not, Whole wide world (sorridente ma capace di scivolare via senza lasciare nulla in dote).

Tirando le somme: se il folk contemporaneo vi può interessare Gorka è l’uomo che fa per voi. Se tra i vostri gusti musicali il quattro quarti in battere ha un ruolo di assoluto protagonista, lasciate perdere. Se volete provare, che, si sa, nella vita si deve pur provare, sapete cosa vi aspetta, nel bene e nel male.

 

C’è da dire che Kramer ha fatto ottimamente il suo lavoro: il disco suona bello grezzo, senza fronzoli e diretto, rock’n’roll nel senso migliore dell’accezione, e quanto mai americano nei sapori e colori, ma per nulla banale e povero di soluzioni, e probabilmente il produttore ha saputo esaltare al meglio la componente musicale dei Nostri più vicina proprio a band come i Butthole Surfers o i Fugazi di End Hits, quelli in cui la furia dell’hardcore veniva coniugata a un maggiore eclettismo nella scrittura dei brani (si ascolti l’ultima eponima canzone), oltre che a una palese autoironia e a un clima da divertimento e spasso che effettivamente nelle 14 canzoni del disco appare chiaramente.

Da segnalare particolarmente I talk to the wine, con quella bella slide iniziale (la chitarra è chiaramente il principale protagonista melodico della band: ottimamente suonata, e con un suono molto interessante e curato, spigoloso e tagliente ma acido e riverberato come in un disco dei Fuzztones) e Quoque tu BMW, dove si armonizzano bene le componenti più furiose e quelle più psichedeliche della band (ottima la batteria qui), nonché le atmosfere da poliziesco USA di Country Billy e Barbon, e il momento più sospeso di Fairies wear white shoes (che poi diventa molto più rock, ricordando quasi le code improvvisate elettriche dei Pearl Jam) così come quello di L’abbaye de Thélème.

 

Napoli capitale è spettacolo di leggera profondità, Vittorio Rosa performer che con rara semplicità riesce, tra un monologo e una canzone, a sviluppare la sua teoria sul “restringimento del cervello”. Canzone dopo canzone, battuta dopo battuta, Rosa passa dalla figura di comico santone di periferia a quella di uomo contemporaneo che fronteggia una società incomprensibile con la sola forza della sua ferrea volontà cerebrale di autodeterminarsi.

 

Sul palco Rosa mostra con efficace concretezza come un cervello umano non possa far altro che ritrarsi, restringendosi, dalla società attuale. Un cervello ripiegato su se stesso, che rifiuta gli stereotipi e i compromessi della routine. L’attore si mostra in tutta la sua nudità di comune ragazzo, elevato però a portavoce di tutti coloro che con lui condividono un palpabile senso di repulsione nei confronti di un mondo che non sentono proprio.

 

È il mondo di chi nega la ripugnanza che inconsciamente sicuramente prova, in quanto unico sentimento umano possibile di fronte ad uno sfacelo sociale così arrogantemente evidente. Eppure tale disgusto viene taciuto. Il grido di protesta è soffocato. Il restringimento del cervello negato. E allora la naturale ripugnanza per la sovversione della natura si esprime sotto forma di compulsione allo shopping, di depressione, di ansia. E il povero cervello ristretto si ritrova ulteriormente frustrato dalle tante colorate pillole che lo incatenano, promettendo una salute che è solo negazione di sé.

 

In questo contesto “Il Ristretto” propone di non lasciare che la follia si spenga, ma anzi di cavalcarla e di sentirne la gioiosa ebbrezza. Il rifiuto disgustato, il restringimento del cervello, non va negato, non va eluso, ma reso consapevole. La consapevolezza avrà il peso dello sgomento forse, ma sarà l’unica via per ricongiungersi con la propria natura. E’ tuttavia una consapevolezza di una leggiadra leggerezza.

Vittorio Rosasa muoversi sul palco con matura destrezza, sa divertire il pubblico, pur evitando agevolmente la banale categorizzazione di intrattenimento. È una risata genuina quella che suscita Il ristretto, come la sua voce e il suo stile. Il palco non è mai stato così vicino al pubblico. Questo è il teatro che sa comunicare divertendo, il teatro che sa calarsi in mezzo al pubblico e ridere con questo, il teatro che sa vincere la sua vana tendenza alla seriosa autoreferenzialità per divenire strumento di consapevolezza della platea. È il teatro al servizio degli spettatori, tutti allegramente e consapevolmente “ristretti” alla fine dello show.

 

Così si fa un concerto rock. Non è sempre scontato che un’ottima rock band che sforna ottimi dischi abbia anche una resa sul palco all’altezza di quella in studio. Il Teatro degli Orrori, per i moltissimi e meritatissimi estimatori del progetto, su disco è una delle migliori band del panorama alternative italiano, ma dal vivo è molto, molto meglio. Questo è un fatto, è una verità, che vi piacciano o no, non si può restare indifferenti di fronte a un live di questa potenza.

 

La nuova line up, che, oltre a vedere la sostituzione di Giulio Favero con Tommaso Mantelli al basso, si è arricchita di un elemento in più con Nicola Manzan alla chitarra e al violino, è ormai rodata e affiatata abbastanza da proporre un live set che rivaleggia per potenza, energia e violenza dell'impatto con una formazione metal.

 

La presenza di due chitarre (e, in alcuni brani, del violino) permette di rendere il suono più ricco e sofisticato, valorizzando le linee melodiche senza rinunciare all’effetto travolgente dell’insieme. Questo vale tanto per i brani di A Sangue Freddo quanto per quelli del precedente Dell'Impero Delle Tenebre, che vengono riproposti a un pubblico in delirio in una vera e propria tempesta di suono.

 

Pierpaolo Capovilla si conferma forse il più scriteriato e abile animale da palcoscenico della scena indipendente e domina la folla urlante con le espressioni ieratiche e i toni sempre lievemente alienati che gli sono propri e soprattutto, nonostante un dito steccato a causa di una frattura, non si risparmia un numero spropositato di stage diving, passando praticamente più tempo in braccio al pubblico che sul palco.

 

Non c’è spazio per l’understatement, anche le ballads hanno un’intensità rock in grado di far vibrare la sala. C’è spazio invece per eseguire quasi per intero entrambi gli album, per la gioia del pubblico sempre più galvanizzato che esulta su brani imprescindibili, da Vita Mia a Compagna Teresa, de E Lei Venne a Majakovskij.

 

È più che legittimo godersi un concerto con calma, dal fondo della sala, bevendo una birra in pace senza preoccuparsi di parare le gomitate del vicino che arrivano di lato o le ginocchiate del cantante che arrivano dall’alto, ma l’anima di una serata come questa la si coglie pienamente solo nel pacchetto di mischia che si schianta sotto palco. Volume disumano, sudore, lividi e rock’n’roll. Se avete il fisico…

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Foto: Paola Gravina

 

L’espressione artistica di Torrisi è forte, limpida, che esalta il senso del confronto senza mai magnificarsi nella morsa autocelebrativa del “chi era”, ma solo del “chi è adesso”, cantore pop-rock di una sensibilità calda e armonica, che nella sua tenera semplicità euforizza timbriche e crescendi. Pop-rock di calibro, epico, intimista e ben costruito attorno alle chitarre di Mattia Tedesco, i bassi di Andrea Torresani, Simone Bertolotti e la batteria di Emiliano Bassi, Un nuovo me è il disco che non gira mai intorno alla stessa idea, ma assortito nella sensibilità e nella compiacenza di piacere subito, di essere fruibile e scorrevole d’impatto per via di quell’airplay d’autore fresco e “ a lunga scadenza” che ha la prepotenza di memorizzarsi istantaneamente nella playlist cerebrale che ognuno di noi tiene stretta in testa.

 

Le parole che Sasha sono mature, descrittive di stati e umori, distrazioni e amare gradevolezze, documentali nella rivisitazione “interna” del proprio rivedere dentro per alzare gli occhi fuori, e atmosferiche quando si fondono con la struttura musicale di gran pregio; con l’appeal pensieroso dei Coldplay e il sensuale empirismo dei Muse, ecco scorrere il lirismo epico di Nuovo me, la ballata sofferta e di riscatto Piccolo miracolo, lo spazio pop aperto e volante, liberatorio de Nell’aria e il suono liquido da hit-tune de Non ti accontenti mai, attraversato da brividi e brezze.

Il nuovo Sasha è qui, pronto a far rivivere se stesso, con l’arma del suo talento unico e sognante, e questo semplice mini-cd non è altro che il suo tratto distintivo di vedere un punto di partenza in ogni punto d’arrivo. E questo suo “piccolo miracolo” in quattro tempi va diritto a canestro. Eccellente.

 

Quattro viandanti italiani che seguono la Via Francigena incontrano un pellegrino tedesco, tale Bernhard Hartmann, un vecchio fondamentalista cattolico dalle “braccia d'inchiostro”, completamente tatuate. Dal carattere antipatico ma forte, riuscirà, dopo aver provocato tante disavventure, a farsi apprezzare dal resto della banda.

 

Il rock tirato e matematico dei Numero6 fa da giusto contrappunto al recitato di Brizzi, dalla erre garrula e dal tono violento, e al testo evocativo. I Numero6 sono dinamici, preparano soluzioni musicali efficacissime che ben si prestano al testo e alla lettura dello scrittore bolognese, si ha l'impressione di vivere il momento raccontato e, complice anche la scrittura, l'ascoltatore viene catapultato su vari piani dimensionali.

 

Momenti di tensione si alternano ad atmosfere rilassate, Brizzi e i Numero6 puntano all'impatto, prendono per il bavero l'ascoltatore utilizzando un linguaggio rock sia nella stesura musicale che letteraria. Le voci di Stefano Piccardo e Michele Bitossi fanno da controcanto al recitato di Brizzi schierandosi a fianco di Bernard sul finale e abbandonando, quindi, la posizione neutrale assunta inizialmente.

 

Il pellegrino dalle braccia d'inchiostro è un viaggio stravagante e mistico, una narrazione corposa che arriva diritta al cuore, un progetto imperdibile per chi ama il binomio musica-letteratura. Un disco che merita più ascolti, maturo, che non cede a compromessi elevando il valore della Parola e del Suono.

 

Dove l’erba è alta è l’album di un “uomo” che evidenzia il carattere precipuo “dell’artista”, capace di assorbire le rifrazioni degli specchi fumè del suo mondo e riplasmarli sul proprio ego ampio e fascinoso; le sue armi sono un folk rallentato, looner, che si bagna alla fonte iridescente della psichedelia tenue e l’originalità nel fartelo arrivare dritto nell’immaginario, anche se – di prima botta – da l’impressione di faticare un poco ad entrare nel gusto del pubblico di massa. Per fortuna.

 

Con la produzione di Giancarlo Onorato, che poi suona nel disco le chitarre, il Wurlitzer e l’organo, il lotto di queste undici tracce è ricco di sfumature in solitaria, lontano ere dal rumore e dall’ingordigia di chi vuole enfatizzare un esordio strombazzante, avanza a passi corti, felpati, t’incanta e se ne riparte in sordina da dove è venuto; un viaggio – per dirla francamente - tra il dormiveglia delle sensazioni epidermiche e la metafisica del sogno disturbato, un giocare continuo di toni e introspezioni che vanno ad affollare l’ibrido e la profondità abissale dell’anima.

 

Stupendi i suoni trasversali di weevil, metak, triangoli, glockenspiel, richiami per uccelli, le spruzzate d’armonica e il liquid play di Wurlitzer che si muove circolare come le onde a riflesso di un sasso gettato nello stagno, bello il mood mexato La tua stella, tenero l’invito Dove l’erba è alta a forma circolare di mantra disegnato da pianoforte e percussioni pensierose, lo spazzolato psichedelico Il sentire, la ballata sincopata di chitarra e l’effetto Leslie de Nell’aria e la cantilena, la ninnananna di triangoli sull’evanescenza di una voce femminile che s’innalza piano, gira all’infinito fino ad ululare di dolcezza Nell’ombra, creando nell’ascolto quel finisterre al confine della beatitudine e del riascolto immediato del tutto.

Davide Tosches, questo sconosciuto emanuense del bello, con questo esordio si preconizza un largo futuro. Forse non pensava di fare un disco, voleva solo ritrovare quella gioia e quell’eccitazione recondita e inespressa che magari sentiva di aver perso, o forse lo ha pensato fitto; ma quello che conta per noi è comunque che con un capolavoro “emergente” in giro come questo - preciso e dai connotati inediti - si torna a blasonare quel “minimale e ristretto” giro cantautorale rimasto e non è poco. Un nuovo orgoglio musicale avanza, un disco e un cantautore di prima scelta è arrivato.

La lettura ti induce a confrontarti con il tuo vissuto, con gli insegnamenti ricevuti e con una sana proiezione verso il futuro, questo potere è detenuto anche dal teatro.

Elena Guerrini con il suo spettacolo Orti Insorti pubblicato per Stampa Alternativa nella collana Millelire ti conquista.

 

Mi immagino suo nonno affermare: "Quello che ciavemo, ciavemo, e quello che n'ciavemo n'ci serve" e comprendo bene il bisogno di ricordare come si viveva 30, 40 e anche 50 anni addietro. In passato ci sono state generazioni più povere e più sfortunate, ma con una cultura della terra profonda, oggi cosa pensiamo quando osserviamo le carote incellophanate del supermercato?

 

Il suo racconto civile è un inno alla gioia, alla fatica, allo scarto che c'è tra il significato delle parole "progresso" e "sviluppo". Senza retorica ci allerta al pericolo che incombe su ogni elemento di vita, di essere comprato e venduto - vedi monocolture, semi transgenici e via dicendo.

Il dialetto e lo spirito 'toscanaccio', i personaggi che si snodano in riflessioni sul basilico e gli insegnamenti del teorico della non azione Masanobu Fukuoka, sanno essere lievi e gravi. Un testo serrato ricco di giochi linguistici a rimarcarne il senso, con ironia e saggezza.

Lo spettacolo che vi troverete tra le mani ha varcato il confine nazionale, nei migliori festival internazionali di teatro.

 

Pasolini ci avvertiva che questo mondo agricolo sarebbe morto e con esso la storia, ma non muore l'impegno gustoso di questa donna.

Formatasi con personaggi del calibro di Pippo Delbono, Giuseppe Bertolucci, Pupi Avati e Pappi Corsicato, viene voglia di vederla in azione.
Un omaggio alla natura, al nonno e alla letteratura che consiglio vivamente.

 

Tecnicamente un buon prodotto, molto accattivante e ispirato – anche troppo a dire il vero per il suo evidentissimo stalking nei confronti dei Placebo e Stereophonics – ma, appunto, con il grande problema riscontrabile nella maggior parte di tutte le pop-rock band di casa, ovvero la cancrenosa assenza di una “idea nuova” che potrebbe permette o aiutare nell’avere perlomeno un minimo sindacale d’interesse o almeno un briciolo di curiosità.

 

Il disco, nel suo dispendio di romanzato-epico, in quell’abusata visione di serena sofferenza cantata – per fare un esempio visivo nell’astratto di un filo di nylon che lega i Silverchair a Radiohead e Muse – scuote quanto un sussulto inavvertibile di singhiozzo. Si lascia ascoltare, ci mancherebbe, ma nell’ascolto passivo, come un ronzio di sottofondo mentre si stanno facendo altre cose della quotidianità.

 

Dodici trecce “isolazioniste”, ben eseguite secondo copione, ma che girano e rigirano attorno alla loro coda senza uscire di un secondo per pizzicare un lembo che sia un lembo d’attenzione in più del consentito; invece per un debutto lo sforzo, la cocciutaggine e la volontà di “essere altro” s’impone e urge, altrimenti o si è masochisti danarosi oppure ci si vuole certificare “ufficialmente” come un’imperterrita cover-band che rotola nella goduria di ciò che “reinterpreta” a suo piacimento.

 

E di tutta quella speranza che si ripone nelle nuove formazioni circa nuove sensazioni, fasi di crescita, di trasformazione per non rimanere sempre attaccati al fondoschiena delle altre realtà oltre confine che ne è? Dove si è cacciata la tracotanza, l’energia creativa tutta italiana – che solo in pochissime realtà emergenti e non – ci ha fatto di un pelo inorgoglire di creatività autonoma e finalmente alzare la testa dal copia & incolla che ci hanno marchiato dal di là della dogana sulla fronte? Finita nuovamente nel nulla, e questo Time to ne è la conferma amara quanto reale.

Tanto per rimanere “nel mestiere” di cronisti di dischi, tutto quello che si può elencare in queste tracce – attenzione, sempre al di fuori di un’impressione d’esecuzione tecnica e umana di rispetto – è la ripetitività che porta alla noia e la volontà di andare ad ascoltare felicemente le fonti “originali”; un ascolto che, facendo leva su una campionatura che va da Automatic a Time to, toccando On my own fino a Down, risulta in tutta la sua ovvietà crudele e arida di nuovo, ne ascolti una le ascolti tutte.

 

E se tutto questo deve essere una “auto distruzione” che ben venga a far tremare i nostri lettori stereo, che si faccia avanti questa nuova generazione con i neuroni al posto giusto e il suono spostato, può far solo bene a far risalire – per tanti rockers - le quotazioni del mercurio bollente che hanno al posto del sangue un pò raffreddato.

 

Davvero un ottimo suonare, questo dei Vanz, veloce come un fulmine e morbidone come un cuscino, non solo perché spreme dal contrito linguaggio punk la sola essenza energica, ma perché c’è quel qualcos’altro che la mette a confronto con i valori dominanti del rock primario e le sue indiavolate e tenere foglie emozionali Scepticism, eccellente ballata amara in cui si riflettono i migliori Silverchair conosciuti.

 

La musica viaggia su traiettorie esplosive che dialogano col crescendo in pogo The need for destruction – memorabile quello svisetto di chitarra a truciolo west-coastiano nel finale – che sparano melodie alla Green Day azzeccatissime Teenage,Walls of tears, danzano con il garage di Iggy Self destruction e fuggono via scapestratamente, con tutta la forza in corpo e in gola che uno può avere, lungo le strade del punk Here, con quel sintomatico scalpiccio di gioia e furore che, nella storia del rock, ha sottolineato la più sottile e tagliente espressione di rifiuto da tutti e da tutto.

Da Grosseto arriva una buona botta di vita sonora e, se non proprio una pagina intera, almeno sei tracce, “sei appunti fondamentali” della scena underground per scriverla poi in futuro.

 

Onde evitare che l’ansia vi divori entro la fine dell’articolo, vi dico subito che il concerto nel suo insieme è stato tutt’altro che deludente.

 

L’opening act riscalda immediatamente l’atmosfera dei Magazzini: i Betty Poison, scelti per questa gig dalla Love in persona, trascinano il pubblico assiepato contro le transenne con il loro inconfondibile e tiratissimo fox-core.

 

Poi entrano in scena gli headliner. Il pubblico è un blocco inscindibile di gente piangente e urlante. Courtney Love NON è una vecchia signora con un talento alle spalle: è una bellissima rockeuse i cui punti di forza sono sempre stati la grinta, la rabbia, e la sfacciataggine. Tutti intatti, come non fosse passato neanche un giorno.

 

Sul fronte tecnico la perfezione non è di questo mondo e sicuramente non è di questo palco: Courtney non si fa mancare qualche clamorosa “toppa” chitarristica che sa di prove non particolarmente accurate e qualche caduta di voce che sa di forma non più smagliante. Il giovanissimo chitarrista Micko Larkin non brilla per stile, ma esegue diligentemente pezzi composti quando lui probabilmente era alle medie. La sessione ritmica tecnicamente convince molto di più, in particolare grazie all’ottima performance del bassista Shawn Dailey.

 

Nonostante le suddette imperfezioni tecniche, che ci si creda o no, è un ottimo concerto. I grandi classici, da Violet a Doll Parts, da Miss World a Malibu, si alternano ai pezzi nuovi (che sono in giro come bootleg da almeno tre anni), molti firmati da Linda Perry e tutti assolutamente azzeccati in termini di testi, arrangiamenti e attitude.

 

La signora Love sa trascinare il suo pubblico, è incazzata e tenera, è spiritosa e irrimediabilmente inelegante, ovvero è tutto quello per cui il suo pubblico la idolatra. Anche l’osservatore più cinico si ritrova a transigere sulle imperfezioni tecniche e a lasciarsi trascinare dall’essenza innegabilmente, violentemente rock’n’roll della performance.

 

“Questo è forse il peggior concerto che abbiamo mai fatto, ma io vi ordino di perdonarci per aver fatto schifo”. E come dirle di no? È esattamente questo che ti aspetti, quando vai a un concerto delle Hole.

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Foto: Fabrizio Bisegna e Stefano Masselli

 

Invece è stato l’album che più di tutti a portato la “leggenda cotonata e in lipstick” dei GNR all’adulazione di massa, non tanto per la curiosa androginia mascalzona di cinque brutti ceffi che suonavano divinamente il rock, quanto per la capacità – insospettata – di coniugare l’Heavy, l’Hair e lo Sleaze metal con una sorprendente vena melodica, di trasporto, proprio di “pistole e rose” a netto contrasto con il metal purista che esplodeva ovunque.

 

La saga di Axl Rose, Slash, Izzy Stadlin, Duff McKagan e Steven Adler riporta la definizione “L.A. Street Scene” sui palchi e finalmente il rock torna a parlare lo slang ormai storicizzato del “Sex, drugs and Rock & Roll” fatto sì di ritrovati suoni sporchi e aggressivi, ma anche di quella dolcezza looner che lascia profondi segni e una marea di imitatori in fasce e amplificatori.

 

GNR Lies - ufficialmente Lies! The Sex, The Drugs, The Violence, The Shocking Truth, è l’album basilare che quasi tutti i rockers posseggono gelosamente, ed è un’entusiasmante opera di recupero dalla tensione massima; i primi quattro episodi riguardano l’apoteosi della “chitarra che parla” di Slash che, gareggiando con il terribile e trascinante falsetto di Rose, tiene sull’elastico del vecchio sudicio rock dei bordelli, e che era stato già impresso nel loro precedente Ep Live Like Suicide: One in a million – pezzo condannato per via del suo contenuto blasfemo contro negri e omosessuali – Mama kin stupenda cover live di un singolo degli Aerosmith, Reckless life anch’essa rivisitazione di un pezzo degli Hollywood Rose, e ancora Move to the city, Used to love her e You’re are crazy, tripletta di fuoco per orecchie infuocate. Ma è lei, l’osannata ballata “del fischio”, la bella Patience, che con quel giro di chitarra acustica è entrato nel lessico generazionale di orde di chitarristi portando le quotazioni della band a livelli stratosferici, oltre misura.

 

Una band ed un disco acclamato e boicottato da un’infinità di situazioni, anche per la sovraesposizione mediatica del leader vocal che ha contribuito a rendere malvagia e maledetta l’aura che li circondava e il conseguente mito. Poi di quello che Axl Rose dirà in futuro sono tutte chiacchiere senza senso, tornerà per un po’ ancora a blaterare di omofobia e razzismo, forse scordandosi, lui star in hotpants a stelle e strisce e pelle bianca, che sua madre era di colore.

Si, poco dirà più in futuro, se non far cadere il mito per rotolare nel fango senza ritorno.

 

Crazy Heart [Original Motion Picture Soundtrack] esce su New West Records, e già questa dovrebbe essere una garanzia più che sufficiente dal momento che si sta parlando dell'etichetta che pubblica i dischi di John Hiatt, Kris Kristofferson e Steve Earle. Ma c'è di più. L'intera produzione musicale del film infatti, è stata affidata a T-Bone Burnett, colui che negli ultimi anni ha riportato sul grande schermo le opere dei Beatles (Across The Universe) e di Johnny Cash (Quando L'Amore Brucia L'Anima).

 

Delle 23 tracce che compongono la versione deluxe (l'unica che vale la pena di esser comprata) ben 5 sono cantate in maniera perfetta da Mr Bridges in persona. Dopotutto il burbero attore americano si era già cimentato con la musica country quando nel 2000 aveva inciso l'album Be Here Soon, riscuotendo più consensi da parte della critica che non da quella del pubblico. Anche i colleghi Farrell e Duvall comunque si fanno notare positivamente per le loro interpretazioni: il primo riproponendo Gone, Gone, Gone, un classico degli Everly Brothers, il secondo con una versione a cappella di Live Forever di Billy Joe Shaver, interpretata in passato anche da The Highwaymen.

 

Ma a fare la differenza sono tutte le altre canzoni, quelle che sanno di whiskey e di stivali, di rodei e tabacco, di polvere e cappelli da cowboy. Ci sono davvero tutti: Buck Owens, Kitty Wells e Lightnin' Hopkins, e poi Waylon Jennings, Lucinda Williams e il celebre Townes Van Zandt. Tutta gente che deve molto alla musica country, e a i quali il country deve molto.

Da segnalare in fine a chiudere il disco The Weary Kind, tema portante del film che è valso il Globe per miglior canzone originale a Ryan Bingham, giovane e fino ad oggi poco conosciuto cantautore folk-rock-country. Ancora un motivo, l'ennesimo, per attendere impazientemente l'uscita italiana del film prevista per marzo.

 

L'Art Decò, dal quale il duo prende il nome, è un movimento di gusto affermatosi nella prima parte del '900, il quale predilige la ricerca di una modernità funzionale, ma al tempo stesso più elegante e persuasiva. Non è quindi un caso che troviamo testi impegnati affiancati alle melodie accattivanti interamente scritte dalla band.

 

Non ci sono picchi nell'evolversi delle 10 tracce, brani come Fantastica scorrono percossi da una efficace batteria e la ballata rock Sempre per sempre, cover di Francesco De Gregori è elettrizzata e delicata. I fratelli Visonà sono immersi nella musica dall'età di undici anni e dagli anni '90 calcano palchi e studi, forti di quest'esperienza nel 2005 hanno creato la propria etichetta discografica, la Emmevi Music S.r.l. dedicandosi al progetto Decò.

La stanza dei colorisi lascia ascoltare tutta, ma senza disturbare troppo l'ascoltatore e questo potrebbe essere un pregio, ma così rischiano di perdere la personalità di cui un progetto si nutre per evolversi.

 

I SMT fanno esplodere i loro suoni nell'aria osando con crescendo invadenti che si alternano a linee melodiche delicate unite da una scrittura pulita ma epica e piena. La voce di Efrim Menuck è come sempre espressiva e toccante, arrabbiata e ansiogena, vibrante, capace di stagliarsi sugli archi e sulla possanza delle chitarre distorte per farsi portatore di un vissuto lacerato attraverso un recitato/cantato distante dai canoni del “bel canto” - a cui sin da piccoli veniamo abituati - ma che si inserisce perfettamente nella struttura musicale della band.

 

Nell'universo variegato del collettivo canadese regna la disarmonia, la sinfonia priva di grazia, le polifonie complesse e i paesaggi ameni che le loro partiture riescono a proiettare nell'immaginario dell'ascoltatore. Kollaps Tradixionales è formato da sette brani dal respiro lungo, compatti, emozionanti, capaci di toccare vette altissime di lirismo musicale dimostrando ancora una volta la grandezza di un collettivo che riesce, ad ogni appuntamento discografico, a stupire con classe e competenza.

 

Per fortuna, non è un disco immediato anzi necessita di numerosi ascolti per poter essere metabolizzato e nonostante suite come There is a light e I Built myself a metal bird siano irresistibili e piene di pathos, è un'impresa ardua riuscire a cogliere tutte le sfumature del mondo eclettico e dissonante dei Silver Mt. Zion ed è tuttavia sbagliato far rientrare la loro musica sotto l'etichetta post-rock.

 

Certo, un album come Horses in the sky resta insuperato ma oggi è davvero difficile trovare una band nella scena musicale odierna che mantenga gli stessi standard qualitativi ed espressivi dopo ben sei album senza ripetersi ma concentrandosi unicamente sulle proprie potenzialità. I Silver Mt. Zion costituiscono un'eccezione alla regola e, ancora una volta, hanno scelto il tassello giusto per completare il loro bellissimo puzzle.

 

Suoni funeral, compressi, una voce in Take this moral tea, The claim che rifa il verso luciferino del Reverendo Manson, un samba ritmato all’ossessione come venisse dallo sprofondo degli inferi Y.O. (screaming monkey), e un cataclisma di frettolose soluzioni industrial Namby Pamby, effettistiche al rasoio per atmosfere agghiaccianti alla Lynch I’m a cutter. Matter horn part.1 e 2; non è il crudo resoconto di qualche trailer di un B-movie pulp visto di soppiatto in qualche cinemino di periferia, ma solamente l’unica istantanea d’ascolto che s’imprime dopo aver girato per un 10 minuti su questo registrato della band fiorentina.

 

Un album, tanto per rimarcare, che indubbiamente fa parte di un “altro livello” inteso come inno degli altissimi limiti del rifacimento all’infinito, e giacché in tanti lo potrebbero riposizionare come “il nuovo suono del rumore”, un minimo d’onesta avvertenza ci compete diffondere per non illudere orecchie inesperte che “nuovi messia” della claustrofobia siano sbarcati nel pianeta terra.

 

Come un epitaffio a fine poema noir, non ci mancano le forze per ribadire il perché di tanta energia sprecata e negata alla ricerca “di un’alba nuova del suono”, il perché ostinarsi a fabbricare il nulla quando esistono millanta cover band ottime e pedisseque che già fanno di loro l’inutilità dell’atto di devozione ai propri idoli.

Questo è un fitto mistero a matassa che nemmeno gli Angela Brothers sapranno mai trovarne il bandolo.

 

Uno show creato come antidoto alla violenza e alla disperazione tipiche del ventesimo secolo, uno spettacolo fantasmagorico che propone una nuova versione dello spazio urbano, piena di ottimismo e buonumore. Un'avventura caleidoscopica in cui tutto può succedere descritta con il linguaggio dell’anima, espresso con la voce, il corpo e la musica.

 

Il tendone del circo-teatro più famoso del globo torna in Italia con le straordinarie acrobazie del Cirque du Soleil: la storica compagnia canadese di artisti, acrobati, ballerini e giocolieri sbarca per un mese sul suolo tricolore con il mitico Saltimbanco, spettacolo creato diciotto anni fa (la prima fu a Montreal nel 1992), in tour da ben quattordici anni durante i quali ha toccato 75 città in cinque continenti totalizzando oltre 4.000 esibizioni davanti ad oltre 9 milioni e mezzo di spettatori in tutto il mondo.

 

Quattro le tappe dello show a marzo - Torino (3-7), Pesaro (10-14), Bologna (17-21) e Firenze (24-28) - nello scenografico allestimento di Franco Dragone riadattato per i palazzetti di cui tenta di sfidare la legge di gravità con i suoi numeri mozzafiato: pali cinesi, acrobati che si fondono per creare figure impressionanti, bicicletta artistica, giochi di prestigio, boleadoras, trapezi volanti, bungees e tante altre magie sfoderate da personaggi poetici e stravaganti come il Barone che guida il pubblico nel mondo incantato di Saltimbanco, il clown Eddie, il Sognatore, i Cavalieri nobili protettori, la Bella, i Barocchi ribelli e molti altri artisti che si muovono su corde e altalene per raccontare storie mirabolanti.

 

Il Cirque du Soleil ha un rapporto particolare con l’Italia, in particolare con Torino, dove aveva animato la cerimonia inaugurale delle Olimpiadi invernali 2008. Proprio dalla città della Mole riprende la corsa del tour di questo spettacolo-omaggio all’Italia e alla sua cultura teatrale: non a caso saltimbanco è una parola del nostro vocabolario usata fin dal Medioevo per indicare gli artisti di strada di talento, menestrelli che giravano le piazze delle città e che spesso improvvisavano un palco con delle tavole.

 

Ispirata alla diversità culturale e linguistica caratteristica del mondo di Saltimbanco, la musica che accompagna le acrobazie volanti evoca scenari magici: René Dupéré, autore della colonna sonora, ha ricreato e sviluppato echi, sottofondi, rumori e frastuoni di una città piena di luce e di speranza che unisce suoni e parole da tutto il mondo, un meltin’ plot eclettico che attraversa il classico e il moderno, il tribale e il cosmopolita.

 

Benvenuti nel mondo di Saltimbanco, lo spettacolo che celebra la vita.

 

Quest’ album è come una raccolta di foto, una sequenza di ritratti di bianco e nero a forte contrasto. Non si lasci però ingannare il lettore: Chupadero! è un disco solare e trasparente che elenca situazioni e descrive paesaggi in un modo quasi disarmante e addirittura troppo naif. Molti dei suoi personaggi nella vita reale non ispiravano tali visioni; Stefano Pelloni il Passatore, per esempio, sezionava le sue vittime ed ebbe poco da spartire col mito alla Robin Hood in cui si tramutò col tempo.

 

Se da un lato la linearità dei brani, che seguono la struttura storica della ballata, è considerabile come un affronto temerario in un contesto di perpetua critica della tradizione cantautorale, dall’altro è simbolo del rischio che i quattro musicisti si sono accollati pur di ricalcare le orme e le strutture melodiche della vecchia, maledetta America. Traspare una grande passione, certo, che si trasforma in un divertimento ridente nel brano di gruppo Città di Frontiera, ora nelle languide note della Red Dirty Road di Jono Manson e Bruce Donnola, che ti spingono su un mulo dondolante in lande afose e desolate. Sante y Girardengo (interpretazione più colorita di quella da noi conosciuta come “Il Bandito e il campione”) scaraventa su un set impeccabile, pistola alla mano e sguardi taglienti sotto il sole cocente.

 

Se la vivacità che trapela infonde positività, non convince però l’album nel suo insieme. Gli amanti dei songwriter chitarra alla mano apprezzeranno comunque perchè lo stile degli artisti, anche se “americanizzato”, resta inconfondibile. Eppure non c’è fusione, sono come tante piccole storie che non riescono a trasmettere un’immagine d’insieme auspicabile in un cd tematico. In questo modo un lavoro che è stato registrato perfettamente (fantastica e degna di nota la la chitarra di un Andrew Hardin, solista ineccepibile), rischia di lasciare sospesa la risposta di chi si chiede: perché farlo?

Non è un dovere dare una forma globale a un album, ma l’orecchio su certi testi didascalici e i molti salti timbrici si perde se non ha un filo conduttore a guidarlo, una trama di fondo. Chupadero! Ha il pregio che chi l’ha creato è affiatato, ma la pecca di risultare, se non preso a piccolissime dosi, una suonata tra amici che, per la loro esperienza, al grande pubblico avrebbero potuto dare di più.

 

La solita noia del vivere, la perenne disfatta urbana, i consueti smacchi sociali rivestiti di elettronica e caracolli di mente che si fanno ballare bene, ma oltre la vena politica sofffusa e qualche scatto di orgoglio circolare, non rimane nulla che un semplice disco che nel corto raggio della sua tracklist esaurisce la sua storia vitale, il suo pompare convinto su cose sonore trite e ritrite.

 

Tra programming, remix, loop e qualche colpo ad effetto, Pop 2.0 è una micidiale overdose di ovvietà e mono-radiofonia senza scampo alcuno, che poi è il collante di queste dodici tracce – tecnicamente perfette – che rielaborano materie e flussi di estrazione carribean già digerite alla grande.

 

Gran dispendio di energie da She’s gone alla versione remixata della stessa, e nel mezzo le nove consorelle che si danno da fare a sbattere corpi e scienze mentali a ritmo semifreddo e sulla foga di slogans primari, ma forse è la chitarrina che svisa gli anni settanta in Al contrario – Pornophonix Rmx o l’anima in pena dei Bluvertigo che in Quando la mano trema – Z-side Rmx prova a far decollare l’intero lotto, ma sono dettagli che si vanno a rintanare quasi subito negli anfratti di qualche consolle illuminata da mille led intermittenti.

Non si può accusare questa band di proporre una rivoluzione musicale che già è passata a miglior vita. Non si può malignare che per loro questo giro discografico si è arenato – a nostro avviso – già prima di prendere il largo; cosa possiamo dire ulteriormente di questo Pop-2.0? Nulla di più se non aspettare che la marea li riporti a proporci qualcosa di non sentito per poterli finalmente considerare un fenomeno su cui puntare.

 

Inizialmente la prima impressione che si ha di Live At The Blues Warehouseè un po’ negativa, come accade spesso per un album di cover, si tende quasi sempre a svalutare l’artista dubitando della sua originalità, poi si leggono le cover e si critica la profanazione di alcuni Dei della musica. Ma ascoltando bene le tracce dell’album si comprende che il giovane Petesta pregando per questi Dei, recitando alcuni versi della Bibbia del rock/blues come Voodoo Child , Hey Joe e altre.

Usando un ossimoro, in questo cd, Guitar Peteè grezzamente preciso, ha sempre il suo classico suono sporco che si sposa perfettamente con l’interpretazione maniacale dei sei brani; troviamo un’ottima Cold Shot del texano Stevie Ray Vaughan, addirittura una sana e fedele “riproduzione” di You Shook Me composta dai due re del blues come Willie Dixon e J.B .Lenoir. Non poteva mancare un omaggio al grande Freddie King con Going Down eseguita con grinta e grande entusiasmo per ricordare il grande chitarrista che ha insegnato il blues a molte generazioni.

 

Le ultime due tracce hanno bisogno di poche spiegazioni , visto che si mette in gioco una delle icone massime del rock-blues, stiamo parlando di Voodoo Child e Hey Joe dell’inimitabile Jimi Hendrix che non poteva assolutamente mancare nella lista di Pete. L’artista non rientra nella categoria dei più gettonati, ma può vantare valorose collaborazioni, le più importanti: Tears for Fears, David Bowie e Richie Blackmoree devo dire che si sentono molto le influenze di quest’ultimo.

 

Come dicono lì a New York , il ragazzo ha messo la testa apposto, realizzando questo album Brasino ci ha fatto capire la sua seconda faccia, dopo tre cd di puro metal tra cui il più conosciuto Mean streets si converte al blues, lasciando però qualche traccia di “metallo” e quindi non si ha torto a dire che è un cd pesante, in tutti i sensi. La fortuna del nostro chitarrista è anche quella di avere alle spalle un magnifico trio: Paul Weiss (tastiere), Mitch Haft (basso) e Antonio Bernardo (batteria).

Album consigliato a quegli amanti del genere che sperano in una reincarnazione degli artisti citati in questo lavoro musicale.

 

Se consideriamo nell’insieme che la sua batteria ha scandito le canzoni dei Fab Four per la colonna sonora della storia moderna del rock, e sentirlo poi in queste prove soliste, se non si è forti d’animo verrebbe da dubitare – e non poco – su tutto l’antefatto. A due anni dal mediocre Liverpool 8, torna sulle scene mondiali con Y Not, e conscio del suo talento forzato cerca di far passare la sua “incontrollabile nostalgia per la Liverpool natia” facendo le cose in grande e invita in questi solchi grandi personaggi della musica internazionale.

 

Con la chitarra di Steve Dudas dei Roundheads, Don Was e Mike Bradford al basso, il Benmont Tench di Tom Petty and The Heartbreakers alle tastiere, e ancora Dave Stewart degli Eurythmics e Joe Walsh degli Eagles, Ben Harper e Richard Marx, Joss Stone e udite udite Sir Paul McCartney, il disco già potrebbe assumere la parvenza di una bomba atomica, ma nonostante il “fumo”, l’arrosto è ben poca cosa, si guadagna qualcosa in freschezza, ma è solamente una chimera di ballate, un pò di energia, qualche rimpatriata sonora al Cavern d’antan, malinconia e fretta per l’ascoltatore nel rimettere lo stereo nella modalità “Off”.

 

Pop debole, patinato e confezionato per mainstream elegante, riscaldato tra amici e parenti solo per tenere alto il logo di un musicista-batterista cresciuto, vissuto e conservato nel cuneo d’ombra del business e delle mode, relegato da sempre al dietro degli eventi, “alle pelli” secondarie del mito primario; e gli sforzi per sembrare altro, o all’altezza del trade-mark che porta sul gobbone sono fiaccati nonostante il vecchio sodale McCartney venga in soccorso col suo basso mancino in Peace dream e con la sua voce in duetto su Walk with you, scritta dall’amico comune Van Dyke Parks.

 

Poi se vogliamo distruggerci sul catchy rock di Fill in the banks, sbadigliare sul pop anni 80 Y not, lacrimare sulle nostalgie Lennoniane The other side of Liverpool, possiamo farlo tranquillamente, non cambia nulla e tutto passa alla svelta. Per trovare un raggio di sole bisogna aspettare la grinta di Joss Stone che invita Starr a darsi una mossa di vigore in Who’s your daddy?, unico scatto convincente di questo disco sui generis.

Fiati, violini, e sax non bastano da soli a tenere in piedi un qualcosa, ma bisogna “tirare avanti” per seguitare ad esistere e questo imperativo Ringo Starr pare averlo imparato a memoria, anche se non ci saranno mai posteri cui “passare” l’ardua sentenza.

 

Si parte con Ax olotl1 ed è un inizio strano, quanto intrigante giacché il pezzo è fatto di un energico rock che, forse, solo a tratti si potrà trovare nel resto dell’ep. Già Come what may è già di un altro pianeta. Tenuta in piedi, magnificamente, da un piano, quantomeno, drammatico, la canzone è forse quella che meglio rappresenta il lavoro dei Novadeaf. Fall from grace together riporta al rock i pisani senza però ricorrere all’alto voltaggio come scimmiottano tanti gruppetti di giovani, ma badando piuttosto alla concretezza delle idee prima ancora che delle azioni. Chiude An intruder con i suoi splendidi giri di chitarra dolci ma al contempo grevi pronti a succedersi l’un l’altro.

Affascinante quanto diverso, Promo 2009 esibisce una band capace di creare e di smarcarsi da aggettivi dati facilmente. Bravi Novadeaf!

 

Con la faccia di un gatto in procinto di papparsi un bel sorcio faccio partire il disco, metto le cuffie e via, pronto ad ascoltare la band rivelazione del 2010. Ascolto il disco. Finisce il disco. Stavolta la mia faccia è come quella di uno che aveva un appuntamento con Charlize Theron ma vede scendere dalla macchina Antonella Clerici, delusione totale. A questo punto la mia coscienza musicale viene assalita da mille dubbi e mille pensieri. Sono io che non ne capisco nulla, che non apprezzo l’arte musicale? O forse si è un tantino esagerato con gli elogi e le critiche positive?

 

Per poca stima verso me stesso ma soprattutto per il rispetto nei confronti di chi ha il triplo della mia esperienza, riascolto il disco soffermandomi bene su ogni traccia, con la speranza che magari qualcosa possa essermi sfuggito. Risultato: nove tracce su dodici sono decisamente trascurabili e piatte, sia musicalmente che emotivamente, scorrono via così, senza trasmettere la benché minima sensazione. Loro si definiscono come una miscela tra pop e rock, ma per farvi capire meglio lo stile di questa band provate ad immaginare i cosiddetti nuovi pionieri della new-wave, ovvero i Franz Ferdinand (Ian Curtis si rivolterà nella tomba), che decidono di mandare a casa il cantante Alex Kapranos per far spazio alla voce del simpatico Mario Venuti, con una vena college-punk-adolescenziale che traspare spesso e volentieri.

 

Perché è proprio così che suonano gli Scarlatti Garage, e ne sono la prova lampante Non è colpa mia e People are strange, due brani che hanno praticamente lo stesso identico loop di batteria uniti ad un sound degno dell’ormai patinata e scadente Mtv. E questo è un punto fondamentale, nel senso che se si parla di potenziali vendite e successo commerciale, Strane Idee è un disco che ha tutte le carte in regola per poter funzionare perché suona giovane, accattivante, “danzereccio” e anche ruffiano se vogliamo, insomma al passo coi tempi, ma la qualità è un’altra cosa.

Poi arrivano tracce come La lampada di Wood, Take it easy e Superstar, e lì capisco che gli Scarlatti non ci sono, bensì ci fanno, perché questi tre brani sono riflessivi, emozionanti, pieni, e lasciano intendere una discreta maturità cantautoriale. Tre brani che la dicono tutta sul fatto che scegliendo la quantità piuttosto che la qualità, la band napoletana abbia davvero perso un occasione. Che rabbia.

 

Il problema è sempre il solito, non si ha nulla più da dire se non ricalcare e ricalcare stereotipi dei quali - osservando rigoroso rispetto per gli originali – non se ne può più e allora addio credibilità e goodbye al “disco che riesce a colpire”.

 

I Plan de fuga suonano e parlano su basi vecchie e superate, il loro pop sinfonico su glassa dark, rock e qualche salatino funky soul affanna e tira il fiatone, che non coinvolge un ascolto attento, oramai allenato a ben altro udire; il disco ha molti linguaggi vocali e sonici, ma che per disgrazia loro – nolenti o dolenti – vanno sempre a combaciare con il Vedder impressionista di turno, l’angoscia impermeabile di Drake e Buckley e le lune e i satelliti di dEUS e Motorpsycho, di tutto e di più senza mai o almeno provarci a trovare le rime più cattive atte a dare una scossa o a tentare la fortuna con quello “strano registro”.

 

Per salvare il salvabile, vale la pena prodigarsi nel recuperare almeno qualche pagliuzza d’oro che in fondo del fondo riluce di forma e sostanza come Violaine, bella ballata a mantra intimista, la spennata iper-respirata a più voci di This time e ancora giù fino ad arrivare a Fresh as air, cupa e sanguinante nella meglio tradizione fine anni 80.

Non si avvertono retrogusti artificiali – almeno questo può dichiararsi un punto a favore della band – il suonato e cantato è tutto umano e sincero, ma che purtroppo riscrive regole e modalità già scritte; è l’unico ma immenso limite che i Plan de fuga si pongono a sé stessi, mancando – ma ci sarà modo di rifarsi – il bersaglio di poter annunciare dallo stretto e angusto mondo dell’emergenza rock una piccola, se non minimale “alleluia ecce sono novo” poi da raccontare alle cronache nelle sezioni “buone e fantasiose novelle”.