Dopo i necro-fasti del precedente Kaeidoscope (1980), e in seguito ad un forzato stop causa defezioni clamorose nella band originale, Susan Janet Dallion in arte Siouxie, John McGeoch alla chitarra, Steven Severin al basso e lo stravagantissimo Peter “Budgie” Clark – ex Big In Japan e Slits - alla batteria, danno fuoco alle micce, sotto consiglio amichevole di Robert Smith dei Cure, al quarto album della loro lugubre e fortunata carriera, Juju, uno dei vertici assoluti dell’arte visionaria di Siouxie.

 

È il disco che – per la primissima volta – presenta alcuni squarci nelle atmosfere oppressive e plumbee degli esordi, mettendo definitivamente in luce una Siouxie padrona della sua calda voce ed evocativa; e allineandosi alla nuova corrente del punk più sottomesso alle nebulose darkeggianti – che già sta portando nuovi illustrazioni sonore come giovanissimi Cure, Sister of mercy e Bauhaus – la band inglese si distende in sonorità malinconiche e tristi, depressioni stupende dettate dagli Joy Division, dei quali SETB n’aspireranno linfa vitale per tutta la loro carriera.

 

Dunque linee di basso compressate, chitarre drogate d’acido e anfetamina, i menzionati Joy Division che barcollano visionari in Sin in my heartMagnifico disco che tocca le sperimentazioni innovative e prende ancora risorse dai terreni malsani del punk, un banco di prova che consolida il marchio Siouxie and the Banshee tra i favori di un pubblico vastissimo e amante del nero come colore primario delle destrutturate asocialità della vita., e percussioni ossessive che cingono strette Halloween, Monitor ed Head cut; l’ombra della poetessa noir Patti Smith volteggia nell’aria, dove anche un sensoriale groove orientale padroneggia nelle retrovie sonore dell’intera track list, ma principalmente nella traccia Arabian knights, anticipazione “mediorientale” di un fermento che guarderà oltre confine dalla metà degli anni 80 fino alla fine.

 

Questo per quanto riguarda l’artista, per tutti quelli che invece inseriscono questo suo progetto/debutto, 16 Black & white buttons, oltre la fessura golosa dello stereo, non è esattamente quella cosa che fa venire voglia di ascoltarlo tra le pareti di una casa: il suo ambiente ideale d’ascolto è un posto all’aperto, al confine tra una giornata uggiosa e un cielo da disegnare con l’immaginazione, in quell’impatto friabile e integrativo con uno spirito che vuole aprirsi e richiudersi come un mantice di tenerezza.

 

Sette piccole rappresentazioni sonore delicate attraversate da poesia looner e shoegazer dentro la tecnologia di drum machine e synths, armonie strumentali e vocali di rara personalità che intrecciano lontanissime rimembranze Floydiane The good one, Peanuts e le chiazze nerastre della Leeds post rock The weirdest story eyes, Shivers on a cab; minimalismo speciale e una personalissima espressione che Lowbrow fa girare come un alito di vento che – nella sua piccola gittata d’azione – fa comunque scompigliare e obbligare la mente a mettere in moto almeno una sua parte.

Basta di pensare solo che sia molto più facile ottenere un buon impatto solo suonando chitarre tirate allo spasimo o batterie che implorano pietà, la delicatezza può colpire ancor più forte come questo piccolo lavoro di Lowbrow, un Ep che detona sofficemente, senza clamore, ma che senza aspettare molti giri d’ascolto finisce col gestirti senza alcun problema.

 

Come già nel precedente Ys, l'album che l'ha consacrata nel 2006, anche in questo Have One On Me a balzare subito all'occhio e all'orecchio è l'insolita durata dei brani, che in molti casi arriva a toccare i dieci minuti di lunghezza. Solo che, se in Ys le tracce erano appena cinque, Have One On Me di tracce ne conta ben diciotto suddivise in tre album distinti, per una durata totale dell'opera che sfiora le due ore. Alla faccia dei tormentoni estivi tanto brevi quanto insipidi.

 

Ma del resto che non sia a caccia di una facile e veloce notorietà lo si capisce pure dai temi delle sue canzoni. A cominciare da quella che dà il titolo all'album che contiene riferimenti alla ballerina Lola Montez, arrivando fino a citare Salinger in Esme: brano in cui la Newsom dialoga con una neonata. Poi si parla ovviamente di amore (Easy) e di quando ne finisce uno (Does Not Suffice), ma anche di morte (On A Good Day) e di rinascita (Non Provenance), di solitudine ('81) e di natura (Autumn), senza dimenticare di glorificare la propria terra (In California).

 

Che dire poi della sua voce? A tratti così elfica e sognante da riuscire a trasportati in un mondo fatato, ma anche altrettanto capace di rendersi di colpo sgraziata e graffiante al limite della sopportazione.

L'hanno paragonata a tutte le grandi personalità femminili dell'universo musicale, da Kate Bush a Byörk, passando ovviamente per Joni Mitchell, che la stessa Newsom ha detto di aver sentito vicina durante le registrazioni dell'album a Laurel Canyon, la colonia di artisti californiana che ha avuto tra i suoi tanti residenti anche la Mitchell. La verità è che lei, per quanti elementi di affinità si possano trovare con le altre, rimarrà sempre e solo uguale a se stessa.

 

L’elenco dei brani documenta un ampio ricorso a titoli di provenienza varia, dal jazz alla leggera, dal folk al rock, aventi a fattor comune il tema del pacifismo e dell’antimilitarismo. Le linee melodiche necessarie a riconoscere l’originale sono generalmente esposte in apertura ed in conclusione, con quale richiamo anche in itinere. Il corpus centrale delle esecuzioni prende invece maggior libertà e qui fioccano improvvisazioni miste a variazioni sui temi; in queste sezioni la tecnica jazz prevale certamente ma il distacco dalla matrice originale non si compie mai del tutto, evitando cesure e stucchevolezze.

 

Il risultato principale è un effetto di crossover che crea qualità mantenendo un alto livello di accessibilità e di coerenza del lavoro, dove la tecnica c’è ma si esprime in atmosfere e riletture piuttosto che in virtuosismi. Così anche la tematica centrale del disco, il pacifismo, resta valore come è giusto che sia e non si disperde in banalità e retoriche di facile presa; esemplificativa è l’apertura con la dylaniana Master of War, eseguita con una sensibilità ritmica e timbrica tale da compensare pienamente la mancanza dei testi.

 

Centrati gli interventi degli ospiti; un grande Gianmaria Testa in Promemoria-Monte Canino e in Il disertore, probabilmente il brano migliore del disco anche per il pianismo che diventa quasi contemporaneo, così come eccellente è Sheila Jordan in Peace, unico spunto di vere origini jazz. Lavoro elegante, intenso, comunicativo ed educativo; il tempo dedicato all’ascolto non è certamente buttato.

 

Otto tracce colorate e un po’ malinconiche che vanno a misurarsi con un pop rock bilanciato tra profusione di enfasi vitaminica alla Bluvertigo storici Nudo con la foglia di Adamo - sapientemente frenata a un centimetro dall’inevitabilità delle cose “già sentite” – e ballate emozionali dentro una poesia sontuosa, mai scontata, un precariato emozionale che si fa shuffle e radiofonico modellato su sabbiature vintage che si ascoltano tremendamente bene come in un pomeriggio sdraiati sui bagnoasciuga di qualche spiaggia solitaria.

 

Canzoni che ruotano in un cantato intenso e ammiccante; il punto è questo se si fa musica soave e che si lasci accarezzare dalla “presa rapida”, occorre anche essere incisivi – anche con gentilezza – nei contenuti, e Il Cavaliere Alessandro questo lo fa, è un narratore di sentimenti impermeabile ai cicli modaioli generazionali, un pizzico del Renato Zero dei tempi dei lustrini Madre natura, lo swing amaro di un Ivan Graziani Allo specchio, e una piccola sfilza di diamantini pop che brillano generosi di candore e grande stile e che vanno a mettere la corona in testa a Ognuno è diverso dagli altri, traccia agrodolce e tenerissima che va a chiudere in magnificat questa lavoro sincero e diabolicamente stiloso.

Questo disco è la cifra preziosa di un musicista in ottimo stato di grazia, uno schianto che illumina la nuova generazione di “quelli che fanno suono” e che fortunatamente si tengono alla distanza giusta da tantissima musica pop usa e getta; prendete questo disco, stringetelo vicino al cuore e volate via con esso, forse troverete del metodo in questa follia, un paradossale richiamo al fallimento come nobile scopo di una vita, ma Il Cavaliere Alessandro ha un destriero che cavalcherà per voi le lunghe trame di una vita davvero libera. Consigliatissimo.

 

Nuove esperienze sul vuoto è il nuovo disco del cantautore milanese Lele Battista che giunge a distanza di quattro anni dal precedente Le ombre, ed è un nuovo capitolo di onde interiori che vanno ad infrangersi dolcemente sulla parola che supera i propri limiti fisiologici per espandersi, catturare e ubriacare di dolcezza agrette quelle citazioni individuali che ci tengono legati alla terraferma, castrati per l’altimetro dell’infinito.

 

Un cantautorato espressivo elegante, abbandonato in ballate opache di vita Il nido, profondamente dentro, evanescente e scanzonato nell’anima latineggiante L’arte di annoiarsi, L’arte di essere felici, arpeggiato come in un cristallino mattino invernale Le mani, canzoni dove l’innegabilità di galleggiare su di una scrittura color acqua è forte e sentita, trattenuta forse da quella ricerca soffice che sale sulla schiena come un brivido o un leggero prurito di bellezza.

 

Un lavoro discografico che riporta la voglia di raccontare il mondo che si porta dentro, il proprio percorso reale e amniotico, sommesso e urlato come a suggerire atmosfere e minimalismi da riprendere in mano, che impugna di nuovo la penna e la intinge nell’anima Nutrire la mente, Attento, stupenda traccia che vede Giovanardi contribuire all’ipnosi, all’aura intoccabile e friabile di questo capolavoro capovolto.

 

Viviamo un’era effimera e musicalmente vuota, strozzata dalla musica a singoli, della musica di iTunes, dello scaricamento industriale di canzoni, nella malformazione uniforme di un “futuro” tecnologico che rincretinisce l’umano, e sentire parallelamente in circolazione queste perle emotive inorgoglisce la razza del “vero ascolto”. Caldamente raccomandato a chi del bello dei concetti ne fa tesoro.

 

Voi ci avete seguito con attenzione, ed ora è tempo di ringraziarvi per avere, in tanti, navigato con noi. A tutti voi diciamo GRAZIE !!! per averci regalato un successo che in poco tempo ci ha portato ad essere uno dei music webmagazine italiani più apprezzati. Un fatto di cui siamo molto fieri.

 

Nell’anno appena trascorso ci avete cercato, visitato e letto con un interesse crescente. Qualche esempio? 250mila pagine viste complessivamente, 8mila visite al mese, 1500 articoli, 4500 immagini fotografiche caricate, 300 video in rotazione, 2mila contatti in mailing list. Cifre importanti cui va aggiunto il popolo del web 2.0 con cui interagiamo ogni giorno sui nostri social network: 2800 fans su facebook e molti altri compagni di viaggio che ci seguono su twitter, youtube, flickr e blogger.

Un grazie particolare lo rivolgiamo a tutti coloro (artisti, case discografiche, management, uffici stampa, festival, locali, associazioni) che con la loro collaborazione ci hanno permesso di proporvi, giorno dopo giorno, articoli sulle tendenze più interessanti e sulle novità più stuzzicanti del panorama musicale nazionale ed internazionale.

 

Per ringraziarvi, e per festeggiare il primo compleanno, vogliamo farvi un regalo: il 9 e 10 settembre potete godervi i concerti all’Apheus di Roma per la finale nazionale di MArteLive 2010, evento che ci vede coinvolti come media partner. Basta inviare una e-mail a entragratis@martelive.it e scrivere nell’oggetto “Beat Bop A Lula”: in palio ci sono 3 abbonamenti omaggio per i lettori più affezionati (e veloci).

È la nostra prima sorpresa per voi, per condividere una nuova stagione insieme.

 

Gli ingredienti ci sono tutti: una produzione indipendente, una registrazione impeccabile e la cosa che conta di più, un ventaglio d’idee brillanti che girano nei dintorni del brit-pop degli Interpol, Blur, Oasis Fringes and big noses fino alle felici intuizioni della scena geek Newyorkese impersonata – per accostamento fisiologico – ai vari Darwin Deez, Darren Hayman, LCD Soundsystem e oltre; il risultato è questo debut album The last slice of cake, un puzzle indefinito di bellezza dal percorso mai accidentato, che entra in rotation nelle orecchie e s’impadronisce del palinsesto della testa e della consorella immaginazione.

 

Per fortuna si affacciano band come queste disposte ancora a “fabbricare” ottimo sound, le stesse che sono pronte a mettere in gioco anima e strumenti, perché convinte che il centro nevralgico dell’indie rimarrà sempre sospeso tra il cuore e l’ingegno; perugini, i The Party Favor hanno accettato la scommessa e la vincono sulla corta distanza, fornendo materiale importante per rinfuocare le braci infreddolite dalla mancanza di proposte e spiragli, e grazie ad una scrittura capace di far drizzare le antenne a chiunque, unita ad una cura per il suono, ogni canzone delle dieci messe in mostra, distribuisce soluzioni acustiche differenti Winter of my caravan, voli solitari Here upon the Commodore, echi post-rock in stile Lambchop Cat in bag, e un catalogo di ballate sopraffine che sgambettano in Just the beginning? – con un finale stupendo di soft/rap-R&B - riflettono Power hour with Carla e si sfogano amaramente nello stunz-stunz di Teenage.

 

Chitarre, programmings, sinth, drum machine e una voce attraversata da poesia che entra ed esce come uno spiffero libero, fanno di questo disco una pura urgenza comunicativa entusiasmante, una rara capacità – per essere un prodotto emergente – di immagazzinare sogni e disfatte per poi restituirle nella loro integrità.
Un consiglio agli appassionati del genere: non perdeteli di vista e una certezza per noi della critica: già presi sott’occhio!

 

La miscela è esplosiva, ancor più se si pensa che a produrla è semplicemente un duo. L’organico ristretto è sovente a rischio di omogeneità eccessiva delle tessiture che porta ad un senso di stasi e di ripetitività. In The Music or the Money succede esattamente il contrario tanta è la ricchezza creativa espressa e la caratura dei sidemen e degli ospiti. I brani sono essenziali, scheletrici nella durata e nelle sonorità ma alternati con tale coerenza da sembrare una lunga suite, a testimonianza di una logica compositiva effettiva e stringente.

 

L’inizio con You Have To Wait In The Rain é addirittura all’insegna della dissonanza contemporanea dalla quale si passa, in totale continuità attraverso una rullata prolungata, al brano successivo che si presenta a metà tra le bizzarrie zappiane e i vocalismi alla Robert Wyatt. La dimensione ritmica è decisamente predominante, grazie anche alle qualità speciali di Morgan; si passa dai frammenti di avanguardia quasi colta in Dr. Thor alle trame prolungate di progressive fino a spunti di country obliquo, come in Sylox dove il drumming è protagonista in un vero e proprio contrappunto con un’armonica tutt’altro che cinematografica.

 

Si hanno passaggi a collage di effetti in Asaw X o Watch me pleasure, veri poutpourri di tutti gli ingredienti già citati a cui si aggiunge una spruzzata psichedelica alla Gong del miglior periodo; una certa vena lisergica ritorna in Spinning Round, in cui l’effetto è creato tramite coretti filtrati per produrre quell’estetica tipicamente rozza dei freak anni ’70, e in Jerico, dove chitarrismi e suoni dilatati ricordano il kraut rock di Gottsching o degli Agitation Free. Un ulteriore elemento che emerge bene in Coco è il gusto pop con radici inglesi, quasi alla Beatles, ma reso ben bizzarro alla XTC; nei vari momenti di Advokaten compare anche del jazz deformato.

Resterebbero molti altri brani da analizzare ma una recensione non è una monografia, specie nel caso di un doppio CD; pertanto lasciamo il resto all’ascoltatore, certi che si avvierà alla scoperta di un’autentica delizia: per i palati fini del rock d’arte affogato nell’underground.

 

Il trio Salentino dei Fonokit creano subito un dilemma, un Amore o Purgatorio che, senza scendere dal paradigma della costrizione di una scelta forzata, riesce ad indurre l’ascoltatore a stazionarsi a metà, nel mezzo o nel limbo di questo loro debutto discografico, ed è proprio dal mezzo che si riescono a percepire “ le due campane” che Marco Ancona voce e chitarre, Paolo Provenzano batteria e Ruggero Gallo al basso intendono propagandare come poetica elettrica e tattica sonorizzata. Il risultato? Bella gente e la felice ammissione – da parte nostra – di avere tra le mani e negli orecchi l’audacia e la sensibilità di una grande band che potrebbe – già da subito – cavalcare km di strada davanti pronta a srotolarsi all’infinito.

 

Fanno i gigioni sulle longitudini di un rock indie che approccia i bombardamenti interiori del british sound, strane muffe impercettibilmente decadence sono iniettate in una piacevolezza di fondo, sporcata di rumore e di mestiere che rende impossibile ogni equivoco di “fuori tiro”; un disco che scoppia e travolge nelle traiettorie che vanno a stuzzicare pure gli anni 80 del reflusso Non posso farne a meno, No money no cash, bruciano come ortica nel funk distorto Sedia elettrica, non dimenticano le mediterraneità e l’impulso underground tricolore nella memorabile Nes - che rinvigorisce fasti ed intermittenze Afterhoursiane – fanno dispetti punkyes grattando le corde elettriche Ammirami e ci lasciano, sospesi e senza peso in lievi mulinelli d’aria seducenti e oppiati Materia tattile.

I Fonokit sono un gruppo che riportano l’abitudine ad una certa magrezza elettrica, abrasivamente instabile e oculata nel contempo che li rende unici; nessuna apocalisse, niente devastazioni, solo la naturale codificazione di un suono assolutamente da preservare, merce rara nello scaffale contemporaneo. L’underground di provincia batte cassa e senza tanti panegirici ed optionals precauzionali reclama visibilità, e loro se seguitano così, testardi in questo bel tormentato riflessivo, la faranno da padroni. Garantito.

 

Il giovane team dell’Associazione, presieduto da Francesco Settembre, ha allestito anche quest’anno un ricco programma di eventi (www.narniafumetto.com/programma.php) adatto per tutti i fans e le età che ha il cuore nell’incantevole cornice della Rocca Albornoz di Narni (Tr) che ospita gli spazi espositivi della mostra mercato.

 

La prima chicca è allestita nei sotterranei della Rocca con una mostra espositiva inedita realizzata in collaborazione con Francesco Bazzana (www.tavoleoriginali.net) in cui sarà possibile visitare un percorso di circa 150 tavole per ripercorrere la storia di due colossi dell’editoria mondiale quali la Marvel e la DC.

 

Novità assoluta per il 2010 il primo concerto dei Raggi Fotonici (domenica 5 alle 17.00), la cartoon band più famosa d’Italia che si esibirà in una lunga serie di famose sigle di cartoni animati con la collaborazione di Spectra, autore ed interprete della sigla “Ken il guerriero”.

 

Molti gli artisti di fama che si avvicenderanno in conferenze e realizzeranno disegni in estemporanea: Marco Bianchini (autore di Mister No, Tex e Termite Bianca) sarà alla manifestazione con la Scuola Internazionale di Comics; Massimiliano Frezzato (eclettico autore torinese che nel 2009 ha presentato una personale rivisitazione del Pinocchio di Collodi per Edizioni Di); Giuseppe Palumbo (autore di Diabolik e Martin Mistere); John McCrea (per ogni casa editrice mainstream occidentale, comprese le due maggiori, Marvel e DC, attualmente impegnato nella realizzazione di The Boys per la Dynamite, di Spiderman e altri eroi Marvel assortiti per la Panini, e a 99 per la Teshkeel.) e Doug Braithwaite (autore per la Marvel Comics di tutti i principali personaggi dei fumetti, alcuni dei quali simbolici come Superman, Batman, Wonder Woman, Spiderman e Hulk, nonché produttore di story board, e concept design pluripremiati per pubblicità, videogiochi e film per nomi noti come Saatchi & Saatchi, Adidas, Sega, Playstation e Toyota). Ed ancora il geniale Alfonso Font (disegnatore spagnolo premiato nel 1996, con il prestigioso premio internazionale “Yellow Kid” e attualmente impegnato nella realizzazione di una serie ambientata nel Medioevo, intitolata “Héloïse de Montfort”, per la casa editrice Glénat), Alessandro Di Virgilio, Giorgio Pontrelli, Riccardo Burchielli (autore della locandina di Narnia Fumetto V edizione) e tanti altri ancora.

 

Nel corso della manifestazione saranno inoltre esposti e premiati i lavori realizzati dai giovani studenti del Comune di Terni per il bando di concorso “Arti e Mestieri del 3000” realizzato dall’associazione culturale “Amici Miei” in collaborazione con Confartigianato Imprese Terni, il patrocinio dell’Ufficio scolastico provinciale di Terni e la collaborazione della Fondazione Carit e la società di comunicazione multimediale Media Mobile Spa.

 

Narnia Fumetto

Rocca Albornoz, Narni (TR)

4-5 settembre 2010

www.narniafumetto.com - info@narniafumetto.com
0744.471523
- 328.4122189

 

L’apporto strumentale dipende dai brani. In linea generale abbiamo due tipologie di lavori; quelli più sul versante irlandese, dove effettivamente fisa/violino/ flauto predominano sugli altri, poi ci sono quelli più sul versante ska dove invece i fiati emergono. Inoltre alcuni suonano più strumenti e quindi quando si presentano in una veste non possono fare altro, mentre uno specialista come il violinista non alterna altri timbri.

 

Certamente non può che farci piacere anche se probabilmente il nostro gruppo ha diversi elementi distintivi rispetto a loro, come le influenze balcaniche e l’essere meno “pop” rispetto alla loro vena. In definitiva quindi non ci vediamo così simili.

 

Ecco, questo è un riferimento che ci saremmo aspettati di più anche perché siamo in effetti partiti dalla sua lezione, tanto che all’inizio sembravamo una cover band. Ogni tanto i giornalisti ticinesi, che magari ci hanno persi di vista per qualche anno, ci chiedono come mai non suoniamo più come Van De Sfroos. Per noi comunque non è assolutamente un problema, al contrario abbiamo avuto diverse opportunità per piacevoli collaborazioni con lui.

 

Il brano è nato su di un testo per il quale si era trovato una linea di sax adatta; quindi concordammo di trovarci una sera per vedere come funzionava; trovammo una vena cupa, chiaramente ispirata a Tom Waits come peraltro la si potrebbe riferire a Capossela, altro artista a cui ci piace riferirci. Usammo questo brano come singolo, lasciando meravigliati tra l’altro molti DJ radiofonici che da noi si aspettavano lo stesso prodotto degli album precedenti, ma in questo lavoro abbiamo voluto esprimere qualcosa di nuovo, di più maturo, di più consono al nostro essere cresciuti rispetto alla goliardia precedente. Credo sia normale!

 

Qui, come in altri casi, abbiamo effettivamente dato più importanza ai testi che al resto, anche se comunque ciascuno di noi uno spazio se lo trova comunque, magari breve e non percepibile, ma per lui importante; un solo passaggio, fuggente ma studiato che comunque gratifica senza togliere l’attenzione alla narrazione.

 

Daniele “Q” ha alle spalle studi universitari di letteratura inglese ed italiana, e questo certamente ha un suo peso. Fare qualcosa di Yeats è stato come completare un qualcosa; c’era il rischio di sminuire una poesia famosa ed importante per cui il problema è stato mantenere un certo equilibrio che rispettasse il senso del tutto. La traduzione è stata fatte per evitare di cantarla in un inglese maccheronico, che sarebbe suonato forse ridicolo; in dialetto abbiamo curato la coerenza al testo e la cura alle emozioni originali, con solo qualche piccola variante per mantenere la metrica.

 

Normalmente in effetti tendiamo ad andare a fuoco ma nell’arco di due ore, questa è la durata tipica di un nostro concerto, inseriamo anche qualche momento più acustico e riflessivo. Poi dipende anche dal posto in cui si suona. Queste variazioni abbiamo notato che attraggono attenzione sui testi dei momenti più acustici, che altrimenti potrebbero essere persi se facessimo tutto nello stesso modo. Il bello è che spesso l’interesse sui testi l’abbiamo incontrato in zone dove il dialetto non è inteso, come in Germania in cui molta gente ci ha chiesto di avere le traduzioni delle canzoni.

 

Il fisarmonicista ha studiato al Conservatorio ed è quello che cura appunto gli arrangiamenti. E’ uno piuttosto timido, in genere non compone ma cerca di adeguarsi alle idee base dei testi e delle melodie che nascono all’inizio. Anche dal vivo si mantiene molto defilato, se potesse suonerebbe da back stage; abbiamo dovuto ritagliarli degli spazi apposta per sforzarlo a manifestarsi così come si merita.

 

Vengono da una collezione di immagini dell’inizio Novecento libere da diritti (di Michele). Passandole in rassegna ne abbiamo trovate diverse che ci parevano adatte allo spirito dei testi e del lavoro.

 

Si ascolta un po’ di tutto ma se dovessimo scegliere citeremmo i Radiohead, oltre naturalmente a Tom Waits; anche Caparezza e Cristicchi rientrano nei nostri apprezzamenti. Poi, mentre parliamo, vengono in mente i Pogues e anche i Foo Fighters, hanno una ritmica eccezionale. Resta poi l’Irlanda, con i Chieftains e i Waterboys.

 

Così non vale, dopo il quinto sicuramente esce un sesto e così via. Comunque dovendo scegliere: Daniele: “Orphans” (Tom Waits); “Swordfishtrombones” (Tom Waits); “Ok Computer” (Radiohead); “Absolution” (Muse); “Creuza de ma” (De André). Michele: “Anime salve” (De André); “Flying Club Cup” (Beirut); “Red Roses for Me” (Pogues); “Via Paolo Fabbri 43” (Guccini); “Fisherman’s Blues” (Waterboys).

Come al solito queste conclusioni non risultano così banali. I gusti espressi rendono chiaramente l’idea della sensibilità dei Vad Vuc al di là delle parole; folk, rock, indie, canzone d’autore e contaminazioni etniche sono gli ingredienti della loro pozione che consigliamo a tutti di assaggiare.

 

Richard Galliano, nato in Francia da genitori italiani, definito dalla critica l’erede di Astor Piazzolla, ha il merito di aver dato nuovo lustro nel panorama Jazz contemporaneo alla fisarmonica e al bandoneon, trasformando i loro rigidi canoni popolari in una semantica universale, ricca ed espressiva. Legando brillantemente la dimensione del valzer francese e il Modern Jazz, negli anni ’90 ideò un nuovo sottogenere definito “New Musette”, dove oltre ad una moltitudine di elementi eterogenei, vi è una forte presenza di sonorità vicine ai maestosi Debussy e Ravel.

 

Nel 2007, con Luz Negra, album di debutto che sancisce l’inizio della favolosa collaborazione tra il fisarmonicista francese e i Tangaria Quartet, registrato in Brasile e licenziato dall’etichetta Milan Records, Galliano ci offre una “ingénieux mélange” di valzer musettes, Jazz colto, tipiche melodie appartenenti alle canzoni popolari europee e sudamericane, passione tanghera e uno strepitio classico. Parlando con Richard nel dopo concerto è emersa la loro intenzione di unire la tradizione musicale Europea con quella latinoamericana, con particolare attenzione alla venezuelana (joropo, gaita) e colombiana (cumbia, poros, mapalè).

 

Come trasmigrati in una famosa e tormentata opera di Van Gogh, Richard Galliano con Alexis Cardenas violino, Philippe Aerts contrabbasso e Rafael Mejias alle percussioni sembrano ondeggiare carezzati dal flusso melanconico, preludio di intensi momenti carichi di passione dove il dialogo instaurato tra il violinista ed il percussionista di Caracas è un treno fumante. A seguire le superbe Laurita e Barbara dove la mancanza di un vecchio ardore è colorita dal sinuoso violino malandrino di Cardenas, a ricordo di lussuriose vicissitudini oramai trascorse, quindi Break-Up con Tangaria, un Richard danzante tra le costruzioni ritmiche latine e il Cajòn idilliaco del furente Mejias. In Chat Pitre il fisarmonicista transalpino si prende gioco del suo strumento, divertendo la platea e regalando emozioni quando, utilizzando il solo movimento delle braccia, con il gettito d’aria è come se ci trasportasse tra le burrascose onde del Bidassoa. Nel finale con Traditionnel Venezuelien si apre la magic box dell’immenso violinista Alexis Cardenas che strabilia è dir poco!

 

Ubriachi! Senza tregua! Di Richard Galliano & Tangaria 4tet.
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Foto: Pamela Santabarbara

 

Delizioso incontro pre-concerto fra le formazioni ospiti, ovvero il Camilla Battaglia Quartet e il trio di Greg Burk, nel quale si è discusso della condizione del Jazz italiano e delle esperienze personali a livello di visibilità e spazi all’interno di realtà festivaliere, con la speranza a detta di Burk, visto il grande interesse del genere in Italia, che i Jazz Club prolifichino per sostenere i musicisti ed aumentare e migliorare il contatto con il pubblico, prerogativa fondamentale.

 

Ad aprire il set sonoro sono il quartetto di Camilla Battaglia, freschi vincitori del prestigioso Premio Internazionale Massimo Urbani, di consistenza oramai decennale, che ha saputo valorizzare tanti giovani emergenti, divenuti oramai Star di livello come Rosario Giuliani e Gianluca Petrella, avvalendosi di una prestigiosa giuria che tra le proprie fila vanta grandi nomi del Jazz: Enrico Rava, Stefano Bollani, Franco D’Andrea, Giovanni Tommaso.

 

La sezione New Generation del JazzUp non poteva avere partenza migliore, Camilla con la sua voce sinuosa, agile e di intense frizioni anìmiche, accompagnata da Niccolò Cattaneo al pianoforte, Daniele Tortora al contrabbasso e Paolo Zucchetti batteria ha sublimato la platea con una riproposizione di Standards, vedi Body and Soul e Nostalgia in Time Square, dove le sapienti movenze swing, inebrianti, unite alla grande tessitura ritmico-armonica hanno caratterizzato la loro emozionante performance.

 

Maestoso Maurizio Urbani, che ospite della serata, in ricordo del fratello Massimo, nella quale sono stati proiettati alcuni spezzoni del documentario di Paolo Colangeli, Musica nella Fabbrica Abbandonata dove, il genio musicale Massimo si racconta, si è unito alla feschezza delle giovani leve, nei standards LadyBird di Tadd Damerini e Blues March di Art Blakey, impreziosendo con le sue calde e sferzanti sax-addiction le generose dinamiche di un godurioso flusso performativo.

 

Quindi…Greg Burk invaders, con il suo avorio sinaptico, ha soggiogato in un vortice ad alto magnetismo le avide aspettative dell’uditorio colmo di grandi appassionati e fans del pianista di Detroit. Il Sound Booking è una sagace introspettiva tra il materiale di una vita di studi e le sue continue esplorazioni all’interno della dimensione Afroamericana, a detta di Greg, perseguendo la sua attuale missione che è quella di unire “Inside” e “Outside” e il brano Step Jump Kick in apertura è la prova di coalescenti intenzioni tra la sintassi rigorosa della tradizione e la sua attuale prospettiva di ricerca.

 

Quindi Tonos una dimensione mistica, composizione ispirata alla musica greca e alla concezione dei filosofi stoici che indicavano con il termine tonos la tensione aggregante dell’universo, una spettacolare “coincidenza” che attraverso le illuminanti folgorazioni armoniche con una singolare intromissione del flauto etiope washint di Greg e le cerebrali costruzioni ritmiche di J.B. Arnold, nipote del grande compositore H. Carmichael, uno dei personaggi chiave della storia del Jazz, famoso per Georgia on my mind e Sturdust, alla batteria e Jonathan Robinson al contrabbasso, fanno vivere alla platea momenti di pura catarsi.

 

A seguire un omaggio al grande George Russel, figura sontuosa, che con The Lydian Chromatic Concept of Tonal Organization ha introdotto nel Jazz l’improvvisazione modale come risulta nel capolavoro di Miles Davis “Kind of Blue”, partorito in connubio con Robinson, ai tempi della Massachussets University, dove i due erano compagni nella classe di Revolutionary Afroamerican Studies, allievi di Archie Shepp, grande intensità per essere un compito di composizione. Onirica e disorientate la Suite composta da Look to the Neutrino e Look to Asteroid dove le intromissioni del Moog, artefatti ultra-terreni, dei grigi sonagli di Burk, enfatizzano il grande dialogo tra il pianista del Michigan e J.B. Arnold il drum-maker dalle geniali concezioni poliritmiche. Il loro incontrarsi in determinate sequenze del brano in modo da creare cicli ritmici, simili a quelli della musica africana è di un’ instabile coinvolgimento caldo e di alta valenza cromatica. A Burk Supreme!!!

jazzup - New Generation_1parte > http://www.youtube.com/watch?v=pgFaCEhk004 
jazzup - New Generation_2parte  http://www.youtube.com/watch?v=ppgP2QRmPr0&feature=related

 

La presentazione è corredata dal cortometraggio del nuovo disco Out of minds e la musica è la miglior compagnia che Melissa potesse attribuire alle immagini particolari e insolite. Dopo venti minuti parte il concerto, una bomba a miccia corta, tanto corta che i watt in pochi attimi si sentono e ci investono con tutto il carattere dello stile di Melissa e dei suoi fidatissimi musicisti. La cantante si presenta con un look da gatta sul palco, e da subito le movenze incantano insieme al brano Lightning che registra una progressione dei volumi da mozzare il fiato che implicitamente aumenta ed esagera le dinamiche della canzone. Le note insolite che toccano le corde vocali di Melissa ci lasciano particolarmente affascinati per le scelte fatte, specie se poi queste opzioni si sposano benissimo con le chitarre graffianti e aggressive dei due giocolieri delle distorsioni che fronteggiano il palco insieme alla nostra regina.

 

La bassista ex Hole e Smashing Pumpkins si destreggia benissimo nelle movenze, facendo di questa attitudine alla teatralità un’arma vincente e convincente in Lead Horse e Taste you coinvolgendo il pubblico molto caloroso e ricettivo. Le influenze sono tante, si sentono persino punte di chillout e minimal che poi rapidamente si mescolano al rock dark e pisichedelico (colonna portante della band) in brani come One thousand eyes.

 

Sexy e seducente nelle introduzioni dei brani, Melissa si fa rispettare come leader anche quando non canta, rivelandosi simpatica ed elegante. Il basso che impugna è spesso la continuazione della ninfa, esalta il suo garbo contrapponendolo al sound ruvido e violento delle sue canzoni. Così emerge il modo di interpretare la musica della bassista con più precisione, invitando chi ascolta a fare un percorso autoriflessivo e invogliando allo sfogo di emozioni che spesso teniamo represse. Nello show c’e’ spazio anche per un paio di cover, quella si Sonny and Cher con la canzone Bang bang e la speciale dedica a Peter Steele (Type O Negative) con la cover dei Black Sabbath Paranoid.

 

Niente è lasciato al caso, anche le cover sembrano essere state studiate per lei in maniera impeccabile, il concerto è di forte impatto, ruvido a tratti, utilizzando le frequenze più feroci e difficilmente descrivibili a parole. Un’ora e venti minuti che lasciano graffiati i muri dell’Estragon per la personalità e l’impatto sonoro proposti da questa grande artista che non fa rimpiangere l'energia degli Smashing Pumpkins.

Heart beat

Lightning

Real a lie

Isis speaks

Lead Horse

Taste you

I need I want I will

Out of our minds

Over power that

Meet me on the dark side

1000 eyes

22 below

Bang Bang

Paranoid
Followed the waves

 

Elegantissima, la Khan da subito energia e positività in un concerto che rimarrà negli annali, un set brioso e magnifico che solo gli artisti di colore sanno dare; musica di fede, anima e passione in un mix universale di radici e sconfinamenti, soul, funky, nu-soul e R&B, jazz, hip hop che s’incrociano, danzano, s’inchinano per poi rimanere sospesi nell’aria del mito.

 

Il Direttore artistico del Festival, Silvano Menichelli, grande anfitrione del NBF, anche in quest’edizione è riuscito a portare il meglio di quell’americaneità color fumo che ha fatto storia e leggenda, e la Khan è qui per testimoniarne la grandezza di questa musica eterna. Il pubblico applaude, tiene il ritmo e qualcuno si lancia in accentuati passi di dance anni 70/80 quando dalla voce dell’artista americana partono le note dei suoi grandi successi che hanno scalato le classifiche mondiali per anni; scorrono come fiumi in piena brani celeberrimi come I feel for you and through the fire, I’m every woman, Love me steel, I feel for you, Fate, Eye to eye, Super life, Crazy e tante altre frizzanti melodie.

 

Una magnifica serata in preda di ricordi e atmosfere cariche di voglia di ballare, di cantare quello che la Khan invita a riconoscere tra i più attempatelli e conoscere tra le nuove leve, e la baldoria si fa man mano, che le canzoni arrivano, festante e spensierata, come i musicisti che sul palco danno uno spettacolo di numeri esemplari di professionismo e classe da vendere.

Non serve molto dilungarsi in parole e concetti per dare conto di un concerto come questo, lei, la regina per eccellenza del soul da il meglio di sé e della storia che si porta dietro, la folla è eccitata al massimo, il Narni Black Festival incassa un nuovo successo e chi non c’era si è perso un evento che difficilmente potrà immaginare; la scena Narnese ha ospitato una luminosissima stella che seguita ad illuminare l’immensa passionalità del sound nero.

 

Ondate balcaniche, gitane, folkerismi etno-rock, il violino impazzito di Sergey Rjabtzev, il carisma di Huntz e il resto coloratissimo della band non hanno tradito le emozioni e la voglia di prendere a pugni la vita per lasciarsi andare in un maremoto collettivo di ballo e spensieratezza, mandando al diavolo anche l’afoso meteorologico che soffoca da tempo l’Umbria.

 

E pensare che le forze dell’ordine, le autorità comunali, e come se non bastasse i commercianti, avevano sparso la voce di barricare le vetrine, non uscire di casa e altre stupidaggini ancora, in quanto avevano “previsto” una nuova “calata di barbari”, orde di Unni furibondi che avrebbero messo a ferro e fuoco la città; niente è successo che un gran successo, una serata stupenda, ricca di motivazioni e ritmo a scalmanarsi senza ritegno, come in preda ad un morso di tarantola.

 

L’insuperabile vitalità della band è invidiabile, leggerissimi problemi tecnici non hanno inficiato minimamente lo spettacolo melting che i Gogol Bordello hanno imbastito in barba anche contro i limiti di volume imposti dalle leggi castranti che ci piovono in testa; tecnicamente unici, Huntz e soci muovono un set che comprende tutte le loro canzoni dei successi discografici, Break spell, Not a crime, Sally, Stop wearning purple, Undestructable, una Santa Marinella - con poco sfumate invettive – definite liberatorie per molti e blasfeme per altri. Il pubblico si esalta e danza freneticamente, non si può stare fermi un secondo, le leggi della ribellione dettate dal baffone Huntz non si discutono, si eseguono senza battere ciglio, e una miriade di corpi sudati pogano, pogano e pogano a sfinimento.

 

I componenti dei Gogol Bordello sembrano folletti invasati, zingari silvestri che urlano, giocano e inveiscono slogan e una padronanza di linguaggio che trasforma un semplice concerto in una divina messinscena “rubiconda” che esplode ad ogni nota, cambi ritmo e appassionati bridges che fanno della voce/parola/messaggio un imperativo gioioso, un additivo pazzesco a travolgere tutto il “bel pensiero” ipocrita della cività moderna.

 

Uno show “tribale” che il festival di Orvieto abilita alla grande, molti gli incores urlati qua e la, e una città che si era messa paura per nulla; certo l’idea di una “fantasia al potere” ha sempre fatto rabbrividire il cultori del “bacchettonismo”, ma questi zingari sul palco e quelli sotto hanno dato un esempio di civiltà “alternativa” fantastica, casinara, ma leale; a fine spettacolo, in chiusura di questa travolgente esperienza Eugene Hutz, Sergey Rjabtzev, Yuri Lemeshev, Oren Kaplan, Thomas “Tommi T” Gobena, Eliot Ferguson, Pamela Jintana Racine, Elizabeth Chi-Wei Sun e Pedro Erazo salutano il pubblico oramai ostaggio del ritmo serrato e della felicità di una notte infuocata, mentre i fautori dell’ordine pubblico cercano di smorzare l’imbecillità di un “pensiero borghese” che quando finalmente finirà di essere sarà comunque sempre molto tardi.
Gogol Bordello Unni ? A noi le “invasioni barbariche” ci piacciono assai!

 

Durezza partorita da blues chicagoani ed accennata psichedelica di San Francisco. Protopunk in evoluzione come e più di Helter skelter La (non) giovinezza a Detroit (con quanto poco ha da offrire): la città dei motori sospesa a metà tra la costa est e tutte le sue esotiche deviazioni, un Canada sonnolento ma non in guerra con il mondo come gli Usa e un Midwest che ha gran poco da regalare. Una città ad incubare la malattia e gli Stooges a mostrarla al mondo. I sessanta come sogno scaduto, i settanta con le loro indicibili violenze a prospettarsi.

 

Meno di dieci pezzi che non si perdono per strada. 1969 sinuosa e sferragliante e sono idrocarburi bruciati subito. I wanna be your dog che rispetto alla precedente è addirittura più ferrosa e sguaiata e dopo la regina germanica di reediana memoria individua un nuovo stereotipo femminile. We will fall a metà tra un canto funebre andato a male ed un lentissimo raga-mantra imbevuto di Lsd che nulla allucina saturato com’è dall’olio motore di Detroit. Il tutto tra sonorità abbozzate ma delineanti, cori profondi quanto replicanti, ed Iggy che con la sua voce guida il tutto, un po’ come Caron dimonio e chissà che anche Pop non abbia occhi di bragia o magari questi li ha John Cale (produttore e musicista aggiunto quando serve) che qui suona la viola.

 

No fun didascalica già dal titolo, macinante nel suo immobilismo che implode in sé stessa per troppa ribellione e frustrazione unite a demolire l’animo umano di un ventenne che non ha nessun divertimento nel 1969 negli Stati Uniti. Real cool time la canzone che si dimena più di tutte. Ann della serie un pezzo d’amore ci sta sempre, questo nella fattispecie duro, fragoroso e metallico dolorosamente allucinato nell’interpretazione (esiti) piuttosto che nel testo (intenzioni). Mentre Not right è scandita da una ritmica monstre eppur lineare intersecata da riff urticanti e violenti capaci di frustrare l’ascoltatore. Little doll che rende ogni ascoltatore cavaliere elettrico essendo una lunga cavalcata sul dorsale dell’elettricità.

Uno dopo l’altro i pezzi di Iggy e i ragazzi (i fratelli Asheton, Ron alla chitarra e Scott alla batteria, Dave Alexander al basso) scivolano lasciando ematomi che non vanno via nemmeno dopo decenni. Meno male.

 

Goran Bregovic e la sua Wedding & Funeral Band hanno incantato, scatenato, letteralmente “imbizzarrito” una folla ondeggiante e convulsa che per due ore ha invaso – all’interno del festival Farenight - Piazza IV Novembre e potuto provare una specie di “ballo di San Vito differente” originariamente proveniente da molto vicino la nostra penisola; due ore in compagnia di questo grande artista, domatore e funambolo di bianco vestito, elegantissimo, circondato da un frastuono festante di fiati gitani, bassotube e tromboni e in compagnia di due floride ragazze bulgare, strette nei loro costumi tipici, che hanno cantato e tenuto il ritmo, o meglio, la “diavoleria” contaminata di musiche contenuta nel suo ultimissimo album Alkohol: Rakija e Champagne.

 

Salti, balzi, folk e tecnologia al servizio di un concerto inconfondibile, all’insegna della “non frontiera” e della fusione d’anime e corpi, musiche da matrimoni e da funerali, uniti – come il destino del genere umano – nella rappresentazione tragicomica dell’esistenza, in cui il divertimento e il silenzio sono concatenati in una stretta rigenerativa, naturale.

Questa mirabile notte di zingari in festa, questo musicista serbo, ride, sorride e da il via al suo piccolo esercito sonante che gonfia le guance e soffia dentro trombe e tromboni dalle fattezze curiose e ante-guerra, guizzi e pirotecnie tradizionali tra corni di bue e chitarra elettrica, che vanno a fondersi anche in mezzo alla folla, in una curiosissima processione folk che va a congiungersi sopra il grande palco nella piazza per dare fuoco a questa pazza e meravigliosa magia.

 

Goran Bregovic è in gran forma, non si ferma un attimo, e nella nostra mente ripassano tutte le sequenze indimenticabili di Underground di Emir Kusturica, quelle trame ballerine, tragiche e al tempo stesso sacre, sacre di quel fuoco immacolato di semplicità e furore; un gruppo sonoro molto affiatato e coeso, delinquente e inebriante, che ha torturato gambe e piedi di un pubblico affamato delle note gitane di questa orchestra che pare non avere limiti fisici, seguita a soffiare in quelle trombe da vecchia fanfara ottocentesca e fa scaldare animi sopiti.

Tutto finisce, ma niente si acquieta, si ritorna a casa come in un galoppo squinternato, fieri di aver assistito non solo ad un concerto, ma anche ad una sana lezione di ginnastica notturna che ha fatto saltare di gioia tutti, meno le stelle cadenti che volevano regnare sulla scena e che per una volta tanto nessuno se le è filate.

 

Dopo Definitely maybe e (Wts)mg? le aspettative e le pressioni (in prima battuta dell’intera Gran Bretagna) verso gli Oasis (pardon verso Noel Gallagher) furono enormi. Il concerto di Knebworth (250 mila presenze e 2,5 milioni di persone che cercarono i ticket), le vendite astronomiche ed i picchi artistici degli album precedenti ingolosirono tutto il popolo di sua maestà e tutti coloro che preferivano ascoltare oltremanica piuttosto che oltreoceano.

 

Non sufficientemente preparati al megasuccesso planetario che li aveva centrati, i componenti della band si diedero alla pazza gioia e trovarono nella cocaina un’alleata preziosa che scorse a fiumi (in questo periodo Noel paragonò la sua frequenza d’uso di cocaina alla medesima cadenza con cui beveva the). Inoltre i litigi tra i fratelli come sempre non mancarono. Le registrazioni non migliorarono il clima, infatti per comportamento scorretto la band fu bandita da Abbey Road per quasi dieci anni. Strafatto di cocaina ed incazzato col fratello per la maggior parte del tempo, a Noel Gallagher parse un’ottima idea strasolidificare il suono del disco imponendo muri chitarrisitici ipercompatti nient’affatto morbidi e lievi.

 

Le idee (leggasi anche melodie) ci sono tutte (ottimi accordi anche e testi) ma naufragano in un magma chitarristico. E così Magic pie affonda a colpi ripetuti di sei corde, e se My big mouth e I hope, I think, I know appaiono inesorabilmente delle Roll with it minori e scevre di immediatezza lo si deve proprio ad una sovrabbondanza chitarristica e ad una iperproduzione aborrita fin lì dal Gallagher maggiore negli album antecedenti. Meglio risultano le idee di The girl in the dirty shirt e Fade in-out (qui ospite alla chitarra Johnny Depp).

 

C’è comunque spazio per capolavori difficilmente dimenticabili. Don’t go away (la migliore dell’intero lotto), Stand by me (un filino più corta avrebbe avuto le stimmate dell’immortalità) e D’you know what I mean? che certo non è semplice e accattivante come Live forever, ma riesce a proporre un suono molto più costruito (svariati minuti di feedback audio, wah-wah in replica ed un campionamento di batteria) ed artificiale (presenti persino suoni morse) pur conservando un alone di unicità, risultando così essere l’ideale ponte verso Standing on the shoulders of giants, disco successivo nel quale la band laverà i panni in un oriente elettronicheggiante. Archetipo dell’album il pezzo omonimo. Citazione beatlesiana in All round the world, epica eppure magniloquente.

 

E così l’album mancò l’aggancio all’eternità, anche se non esiste un solo fan degli Oasis che possa farne a meno. «So già di che parlerà il terzo album e ho già deciso la copertina, il titolo, le canzoni, il suono» disse ad inizio carriera Noel Gallagher. Calcolando che non ha inserito nessuna traccia del disco nella raccolta da lui stesso compilata, Stop the clocks, e che imputa a Be here now eccessiva durata, testi non adeguati e troppi riff, o la sua idea di partenza col tempo lo ha deluso oppure la cocaina al dunque l’ha corrotta.

“Querelerò chiunque abbia detto che mi faccio una pista di cocaina ogni quaranta minuti”. Sempre Noel Gallagher.

 

Qui si parla della storia cari amici, non ci sono due artisti qualsiasi per il venerdì di gala del festival, bensì coloro che hanno influenzato il rock n' roll in tutte le sue sfumature, dal rockabilly al metal, passando per tutte le mode e le tendenze di questi ultimi 50 anni tramite un'anima inossidabile fatta di note e storie che resistono nel tempo, narrate ancora magistralmente come fosse la prima volta.

 

Ad aprire la serata di punta nel magnifico scenario del foro annonario di Senigallia è Wanda Jackson, c'è una variopinta e vivace rappresentanza di rockers composta da giovani ed aspiranti rockabilly con il ciuffo in bella vista ed occhialoni spessi alla Buddy Holly, giovanotti di mezza età con camicie hawaiiane, graziose pin-up con lunghe code di cavallo e colorate collane di fiori, ma anche metallari cappelloni con le magliette dei Motorhead.

 

Wanda è accompagnata per l'occasione dagli italianissimi Goodfellas, band che si è creata un discreto seguito nell'ambiente rockabilly/swing internazionale grazie anche alle numerose collaborazioni durante la loro quasi ventennale carriera. Purtroppo la regina Wanda non inizia molto bene, sbaglia attacco, ha problemi con il microfono, ma la band gioca di mestiere e la riporta subito sulla retta via, il resto è ormai storia, tutto fila finalmente liscio e il pubblico comincia a scaldarsi ballando e piroettando nella fresca (anche troppo) serata d'agosto.

 

Una performance di un'ora che accontenta gli spettatori e che fa da rampa di lancio per l'arrivo del grande Chuck. Dopo una pausa, con il Dj che continua a far ballare i presenti e i dovuti cambi di strumentazione ecco che arriva il momento che tutti stavano aspettando dal tardo pomeriggio e in un boato assordante entra il vecchio Berry, con una camicia rossa piena di strass luccicanti e con quel cappello con cui sembra dire alla folla “Hey, sono ancora io il capitano della nave del rock n' roll!”.

 

84 anni suonati e una voglia di divertirsi che lascia esterefatti, tutti ballano e tutti sanno le sue canzoni più famose: Roll over Beethoven, Maybelline, School days, Carol, You never can tell, Back in the U.S.A; la mano non è più quella di una volta e la voce non ha più quel tono da giovane irrequieto con una spiccata tendenza a delinquere che lo ha sempre contraddistinto nella sua grandissima carriera, ma va bene così.

 

Che cosa si può chiedere di più al grande principe del rock n' roll? (dato che il titolo di re rimane a Elvis), colui che più di 50 anni fa ha inventato la scala pentatonica “double-stop” su cui si fonda, a detta di molti, tutta la tecnica chitarristica rock, forse una cosa, una miserabile e unica richiesta fatta da tutti i presenti del foro annonario a gran voce: Johnny be good!Johnny be good!, ma con il grande stupore Chuck se ne va lasciando un po’ l'amaro in bocca a chi stava già assaporando il famoso riff iniziale del suo pezzo più famoso, quello con cui si identifica uno spaccato di storia irripetibile e fondamentale per la nascita di un genere che anni dopo sarebbe diventato di importanza planetaria e fatto nascere a sua volta generi e sottogeneri che senza questo seme primario non sarebbero mai esistiti.

 

Il rock non è stata mai una gara di velocità di scale o una questione di chi sona più o meno bene, ma una questione di chi arriva prima e dopo, di intuizioni geniali e storie vere da raccontare, di good vibrations e sudore, cuore e anima e questa sera tutti noi possiamo dire di aver assistito a uno di quei momenti forti ed irripetibili della storia del rock.
Grazie capitano! E grazie a Senigallia che ospita ogni anno un grande festival fatto di ottima musica.

 

L’effetto ipnotico della macchina scenografica – un ipertecnologico schermo circolare simile ad un cilindro magico dove scorrono planisferi, scritte e orologi animati - messa in piedi per la prima data europea del 360° Tour dopo lo stop di Berlino per i problemi alla schiena di Bono stordisce. Il live è un sommo rito collettivo che la folla celebra con un abbraccio epico al quartetto irlandese appena il frontman comincia a passeggiare sulla sterminata pista circolare che circonda il palco dominato dal gigantesco ragno elettronico-meccanico a 4 zampe che domina il centro dello stadio illuminandosi come un’astronave piombata sul cielo sabaudo direttamente dai piani nobili dell’universo rock.

 

Eppure, malgrado questa cattedrale di sogni, lo shock di effetti speciali e il rutilar di luci, la band ammalia il pubblico con una strumentazione elementare e la “solita” formazione minimalista: un basso (Adam Clayton), una batteria (Larry Mullen) e una chitarra (The Edge). La voce di Bono fa il resto, anche quando fa cantare un Happy Birthday a tutto lo stadio per The Edge, che oggi compie gli anni.

La serata, due ore e mezza per un totale di 23 brani, mantiene le promesse della grande attesa, infiamma al massimo il pubblico coinvolto da un sapiente mix di brani classici - dall’iniziale Beautiful day (dopo l’apertura vera e propria con Space Oddity di David Bowie) a Magnificent, una bellissima versione di Miss Sarajevo, cantata in italiano nella parte in origine eseguita da Pavarotti - e pezzi nuovi. La sorpresa sono i due inediti North Star, melodica e romantica storia di pace e di amore eseguita al buio, e Glastonbury, struggente ballata ispirata alla loro mancata partecipazione al celebre festival irlandese in primavera.

 

Il concerto scorre via scandito da altri gioielli del repertorio U2: Elevation, Until the End of the World, Unforgettable Fire e tanti altri. Finale in crescendo con Sunday Bloody Sunday e Mlk, una ninna nanna dedicata a Martin Luther King durante la quale sul grande cono circolare centrale scorrono le immagini di Aung San Suu Kyi, premio Nobel per la pace attualmente agli arresti domiciliari dopo la condanna a 18 mesi di reclusione del governo della Birmania. Toccante anche il passaggio del video con il vescovo Desmond Tutu, che chiede al mondo di lottare per la giustizia e la salute di tutti, e subito dopo parte One.

 

Il finale è pazzesco. Intorno a Where the streets have no name gli schermi si colorano di rosso. Poi Bono canta With or without you con la voce spezzata. Sarà stata la stanchezza, ma l’effetto è ancora più emozionante. I 45mila dell’Olimpico sono in delirio.

Torino saluta gli U2, ma l’Irish Fest made in Italy prevede ancora un’altra tappa: a Roma il prossimo 8 ottobre, data di chiusura del tour europeo, un altro boato accoglierà l’ingresso della band all’Olimpico. Sarà un’altra notte con un’altra marea ondeggiante che riempirà lo stadio.

 

Tutto ha inizio nella seconda metà degli anni Cinquanta, quando dagli Stati Uniti arriva anche in Italia una musica dai ritmi frenetici e dai contorcimenti mozzafiato, capace di aprire uno squarcio nuovo, frizzante, oltraggioso e rivoluzionario nelle vite dei ragazzi italiani: il rock’n’roll.

 

Sboccia così una nuova generazione che vuole affermare la propria libertà di parola e di partecipazione. Attraverso i juke box, il cinema e i giubbotti di pelle nascono i protagonisti di un’epoca irripetibile per la nostra canzone: Mina, Adriano Celentano, Giorgio Gaber e Clem Sacco.

llustrato a colori e impreziosito da una ricca biblio-discografica di riferimento e testimonianze, episodi e aneddoti, molti dei quali ancora inediti, sulla storia musicale italiana, il volume passa in rassegna complessi e “urlatori”, locali come il Santa Tecla di Milano, giornali, riviste, manifestazioni musicali come il Festival del rock’n’roll, trasmissioni radiotelevisive come “Il Musichiere” e i film musicarelli.

 

 

 

 

 

 

I colori di questa serata sono molto diversi fra loro, così come diversa è la provenienza degli artisti coinvolti. È l’ultima serata e viene voglia di continuare ancora: il pubblico è più caldo (alle tre del pomeriggio? Sì, alle tre del pomeriggio), sembra di essere entrati appena adesso nel vivo della manifestazione, non si respira affatto l’aria da serata di chiusura.

 

Si apre con Sandro Joyeux, rivelazione approdata nella Capitale dopo lunghissimi viaggi in autostop in giro per il mondo. La sua musica respira le suggestioni e i suoni di angoli lontanissimi del pianeta, dal Mali al Salento, dalla Jamaica al Senegal, il tutto amalgamato dalle sfumature della canzone d’autore francese in un miscuglio di lingue e suggestioni che cambiano a ogni canzone, nonostante il set resti quasi sempre lo stesso, semplicissimo: voce e due chitarre. In questa occasione alla sua chitarra acustica – accarezzata o percossa a seconda del brano – si accompagnano alla chitarra elettrica alternativamente Antonio Ragosta e Carmelo Pipitone (Marta sui Tubi). Il palco si popola con l’intervento di Matteo D’Incà al basso e Roberto Angelini alla steel guitar, il suono si arricchisce ma lo spirito è immutato e continua ad abbracciare la piazza come fosse il mondo e viceversa.

 

La serata prosegue con Amerigo Verardi e Marco Ancona, da anni fra gli esponenti più influenti della scena underground salentina, che si sono fatti conoscere e apprezzare a livello nazionale collaborando con nomi di prima grandezza del panorama indipendente. Il loro suono è un indie rock contaminato di psichedelia. È la tradizione del cantautorato italiano, attento ai testi e alla valenza poetica dei brani, venato da una ricerca sul suono di influenza marcatamente britannica. Un suono elettrico e nervoso eppure elegante, sofisticato.

 

Il cantautorato è il filo conduttore di questa prima parte della serata. Roberto Angelini si presenta sul palco con il suo set più scarno: solo voce e chitarra e una selezione emozionante dei suoi brani più amati. Acustica e intensa, la performance di Angelini ha la grazia dolente di un Nick Drake italiano, che incanta e trasporta. Particolarmente intensa l’esecuzione della splendida Dodici Anni, che raramente viene inclusa nei live, ma che rimane una delle preferite dei fans di lungo corso.

 

I ritmi si fanno più intensi con il folk made in Molise della Riserva Moac, che in queste zone è un vero e proprio orgoglio regionale. Pittoreschi nel suono come nell’outfit – il Molise viene accostato alle Highlands scozzesi a suon di kilt e cornamusa – fondono le radici folkloristiche locali con una formazione rock dal suono pieno e potente. L’alternanza di voce maschile e femminile conferisce ai loro brani una potente carica di dinamismo e freschezza, che permette di affrontare testi intensi e intelligenti senza mai perdere un colpo.

 

L’headliner della serata è Andrea Rivera, noto al pubblico romano come irriverente menestrello da strada e a quello nazionale come provocatore da citofono su Rai 3 a Parla con Me. Rivera è in grado di portare avanti un intero concerto (ma forse sarebbe più corretto chiamarlo recital) con un solo accordo. Sul palco con lui ci sono Matteo D’Incà e Roberto Angelini, a ricamare melodie improvvisando in stile funky su quell’unico accordo (per volta) e sinceramente non occorre altro. Perché il punto forte di Andrea Rivera sono, da sempre i testi. Su canovacci generali e spunti di riflessione che fanno da blocchi di partenza, si costruiscono riflessioni sarcastiche e paradossi che fanno pensare. Ci parla del nostro paese, ne dipinge un ritratto che strappa risate amare e che è abbastanza brutto da poter essere verosimile. Ce n’è per tutti, politici e preti, personaggi della tv e gente comune, passanti e amici. Come è tipico di uno spettacolo di Rivera, si è tentati di gridare al genio in più di qualche occasione. Ci sono i saluti per Danilo, perché è la serata conclusiva della sua festa.

 

Nel corso della serata il sindaco di Carovilli ha letto ai presenti una lettera da lui scritta al sindaco dell’Aquila, che conteneva, fra le altre cose, il racconto di quel terribile 6 aprile, così come è stato vissuto dalla famiglia di Danilo. Ci troviamo di fronte a una piccola comunità di persone che ha scelto la musica per reagire con amore alla rabbia e al dolore.

 

Appuntamento all’anno prossimo.

 

Ad ascoltarli ora, tenendo ben presente questo loro inizio, sembrano passate numerose ere geologiche. Ma forse no. Certo, forse lo stile è mutato, forse le sonorità si sono evolute (ammorbidite?) ma l’approccio e le necessità compositive sono le medesime. Che poi sono fra i motivi (oltreché rigore morale, ottimo feeling col pubblico e grande responsabilità) grazie ai quali la band gode di fama imperitura.

 

Quello che erano e quello che saranno è già tutto qui. Once accende i motori che implodono od esplodono (dipende da quale visione si decide di adottare) con Even flow, Alive e Jeremy, manifesti catartici di potenza grunge in salsa adrenalinica. Ma c’è spazio anche per altro, come Black, altro pezzo chiave della raccolta, una furiosa ballata d’amore dannatamente nera e disperata oppure Oceans, avvolgente, ma soprattutto Release già abbozzante soluzioni stilistiche che la faranno da padrone in No code. A completare il tutto Why go che nulla ha da invidiare ad altri pezzi possenti dei Pearl Jam, Porch che può lasciare inermi tanto è carica, Garden vigorissima ed infine Deep un gorgo che trascina nel cuore grunge.

 

Queste le canzoni. Questi i membri. Dave Krusen alla batteria nel disco ma non nella copertina e nel booklet (prima Matt Chamberlain, quindi Dave Abruzzese lo sostituiranno), Jeff Ament, degno erede di mostri come John Entwistle, Dee Dee Ramone e Jah Wabble, al basso, Stone Gossard, l’unico originario di Seattle, ad una chitarra ritmica ora dolce ora furiosa, Mike McCready, funambolo troppo sottovalutato, alla chitarra solista ed infine Eddie Vedder potenza vocalica enorme e trascinante, uomo nel quale molti fans riconoscono una guida essendo egli cantore di storie strazianti (Jeremy racconta un reale suicidio in classe di un ragazzino statunitense, Why go narra di una ragazza chiusa in clinica perché fumava marijuana, Deep riflette su una giovane vittima di uno stupro) ma tenacemente incoraggiante all’amore e alla vita. Nessun decadentismo o maledettismo, piuttosto un’ulteriore spinta a ribellarsi e ad amare.

 

Non è immediatissimo Ten (i cinque imputano al produttore Rick Parashar una patina troppo perfettina, fosse stato come volevano loro avrebbe suonato un filo più grezzo e forse più accessibile). Ad un primo ascolto saltano agli occhi, anzi alle orecchie, alcuni pezzi che poi sono i cavalli di battaglia di Vedder e soci, solo con più ascolti si riesce a cogliere l’essenza del disco, entità fatta di profondità, concreto sensibilismo e denuncia reale. Difficile? Non azzarderei a dire ciò, piuttosto non facile. Ma nessun album dei Pearl Jam è facile e se ci pensate è una buona cosa. Fossero immediati, iperauscultabili, di facile lettura e magari tremendamente trendy e paparazzabili con qualche scosciatissima starlette televisiva dai costumi non proprio monastici non sarebbero loro. Ed a molta gente qualcosa mancherebbe nella vita.

I soliti esperti del nulla tacciono i Pearl Jam di commercialità. Lasciamoli parlare, noi ascoltiamo Ten, quando il disco sul lettore avrà smesso di girare e loro avranno smesso di starnazzare chi si sentirà meglio, noi che ci siamo concessi una vigorosa pausa o loro esausti delle e dalle loro tronfie parole?

 

Pigro è un grandissimo album che racchiude canzoni storiche sempre nel suo modo di raccontarle, di vederle in maniera unica e geniale. Quello di Ivan Graziani è un suono personalissimo ed è un marchio di fabbrica che pochi hanno. Lo si riconosce tra due milioni di artisti. L'amore, la provincia, i giochi dannunziani, l'adolescenza sono i temi a lui sempre cari per l'intera discografia.

 

L'album che inizialmente aveva il titolo di Fango poi venne cambiato in Pigro, un manifesto del realismo, verso tutti quei moralisti e falsi professori che Ivan amava smontare come un puzzle per poi pestargli la coda, una denuncia contro la pigrizia mentale che tagliava le gambe alla sana curiosità artistica e culturale.

 

Fango è un rock come non se ne sentono più in Italia da molto tempo. Una storia noir disegnata come sottili ragnatele e con tutto l'amaro in bocca di una ruota che gira con le seggioline appese nella festa di paese dove la pietà ha preso il volo. Sabbia del desento (e la provincia come un'isola di matti si allontana alle mie spalle), Paolina, canzone sempre richiestissima nei live numerosi e familiari del rocker per eccellenza italiano.

 

L'Abruzzo nel cuore, la sua terra e i suoi profumi, le sue montagne e i suoi scrittori. Gabriele D'Annunzio è l'esempio lampante e coloratissimo che Ivan ci graffia e regala sul muro dell'intelligenza. Scappo di casa che oltre ad un riff leggero e mangia cervello ha una frase da tatuarsi ovunque: “La mia cara mamma mi ha voluto grasso ed eunuco, non andare con le donne hanno il demonio nel ventre, io sarò la tua unica donna come il serpente che si morde la coda, l'ignoranza nel sesso è la base per vivere felici. Applauso”.

 

Pigro sempre ricordata e cantata da tutti, che soprattutto nei live si trasformava in un hard rock che ti arrivava dritto come un pugno allo stomaco. Monnalisa la canzone rock italiana per eccellenza. La canzone rock perfetta, tra le più belle mai scritte in italia. Il testo è una denuncia a quella Francia colta che si permette di far pagare il biglietto del museo per vedere un opera italiana. Ivan non ci sta. Io neanche. La musica è fortissima e il riff di chitarra di un efficacia sublime. L'arrangiamento perfetto. Il canto azzeccatissimo.

 

Ivan Graziani, il chitarrista abruzzese dagli occhiali rossi ha masticato molti bocconi amari e alla fine non ha visto tutti i suoi successi volare. È andato via presto, troppo presto, lasciando solo quel rock che aveva bisogno solo della sua personalità verace. Ivan Graziani è stato un osso duro che solo pochi hanno capito e digerito. Ha fatto della cultura la sua vita e la sua morte. Sicuramente nello spioncino di una porta su una nuvola, se ci guardate dentro vi troverete di fronte ad una montatura di occhiali rossa, ad un sorriso, ad una battuta e ad un solo di chitarra come solo lui sapeva fare.

Ivan, il rock, la letteratura, il fumetto e tutta la cultura in generale ti ringrazia e ti applaude.

 

Stasera il tempo sembra promettere una maggiore clemenza: nonostante le colline circostanti siano coperte da minacciosi nuvoloni scuri che occasionalmente si allungano fin sopra le nostre teste, sulla piazza di Carovilli non ci sono accenni di pioggia.

 

Si inizia con le atmosfere intimiste e delicate del cantautore Paolo Tocco, che, sulla scia dei maestri del genere, mette in musica riflessioni e storie. L’atmosfera della serata scivola elegantemente dall’aria scanzonata del momento soundcheck-cena-chiacchiere alla disposizione d’animo di chi sa che ascolterà tanta, tantissima buona musica.

 

Si cambia tono in modo abbastanza brusco, ma senza traumi: prima dell’ingresso sul palco dei Legittimo Brigantaggio si parla ancora di Danilo, ma anche dell’Aquila, attraverso immagini e musica e attraverso le parole dei presentatori della serata, che ci traghettano con maestria verso il resto della serata. I Legittimo Brigantaggio fanno ballare la piazza: il loro collaudato folk-rock è un linguaggio universale che in contesti come questo non manca di coinvolgere un pubblico quanto mai eterogeneo per stili e fasce d’età. La critica sociale e politica poggia su una base strumentale solidissima, con una sessione ritmica corposa e adeguatamente “scura” e un ricco impianto di chitarre e fisarmonica che è efficace quasi quanto il cantato nell’espressione dei contenuti. E di cose da dire i LB ne hanno, da sempre.

 

L’act successivo è Il Disordine delle Cose, uno dei progetti più interessanti dell’underground italiano. La cifra etico-stilistica di questa band è un’attitudine appassionata alla musica live, ma anche all’autenticità della scrittura. Il risultato è un suono raffinato e levigatissimo, che si muove fra i picchi più sofisticati dell’indiepop e il cantautorato classico italiano. Sul palco, come del resto sul disco, il set si arricchisce della chitarra di Carmelo Pipitone dei Marta Sui Tubi, inconfondibile e versatile come sempre.

 

La pioggia ha veramente deciso di dirigersi altrove, stasera, e il pubblico si scalda, si emoziona e si appassiona. I fans di lunga data così come i neofiti si lasciano coinvolgere e sono più che pronti a farsi travolgere dai Marta sui Tubi.

 

E travolgere è esattamente quello che i Marta sanno fare meglio. Fra le tante band italiane ormai abituate a club gremiti di fans che conoscono a memoria tutti i testi delle canzoni, non sono molte quelle che riuscirebbero a conquistarsi anche un pubblico del tutto nuovo. Gli appassionati sotto palco non mancano, ovviamente (e sono abbastanza appassionati da far scattare il pogo selvaggio su L’Unica Cosa fino a sfondare una transenna), ma anche il resto del pubblico presente in piazza, quello che non ti aspetti, quello “fuori target”, è assolutamente e definitivamente conquistato. Il set è a metà fra quello di un concerto vero e proprio e quello di un secret concert.

 

La formazione è ridotta, per l’assenza del violoncellista Mattia Boschi, e la scaletta spazia fra vecchi e nuovi successi e ampie concessioni all’indole di mattatore di Giovanni Gulino. I Marta sanno emozionare con le più celebri ballads dei loro tre album, ma c’è qualcosa di innegabilmente punk nella loro attitude. Lo si nota nei pezzi tirati così come in quello che accade sul palco fra un pezzo e l’altro. Questo concerto è una festa ed è esattamente il senso dell’intera manifestazione.

 

Tutti i musicisti che hanno attraversato questo palco conoscono la storia di Danilo, si sono fermati a guardare le sue foto, ad ascoltare le canzoni che amava e quelle che ha scritto, hanno parlato con i suoi amici e i suoi familiari. Per questo hanno perfettamente chiaro quale sia il modo migliore di portare avanti questa serata: questa è una festa che Danilo avrebbe amato.

 

La prima serata si apre con il respiro internazionale degli Hacienda, indie band fiorentina dalla marcatissima vocazione britannica. Compatti e venati di punk nell'attitude come negli arrangiamenti, pronipoti dei Beatles e figli degli Smiths, hanno la caratteristica (rarissima fra le band nostrane) di potersi permettere di scrivere e cantare in inglese. Il pubblico di Carovilli è diverso da quello al quale l'utente medio metropolitano di live shows è abituato: ci sono famiglie e bambini che giocano (e che, meravigliosi, quando un artista al microfono dice "grazie" rispondono urlando "prego!"), giovani mamme e anziani al bar, cani più o meno randagi, adolescenti che sembrano scoprire la cosiddetta musica alternativa per la prima volta e giovani con lo sguardo inconfondibilmente soddisfatto di chi è stato il primo del proprio giro ad ascoltare i Sex Pistols: un pubblico senza i consumati pregiudizi blasée del frequentatore di grandi club. L'ideale per mettersi alla prova contando solo sulla musica.

 

La seconda band sul palco è Circolo Vizioso della Farfalla, che conquista trasversalmente tutte le generazioni presenti, con le tinte calde di un jazz rock che ammicca moltissimo al reggae. L'ideale per far ballare una piazza. Con testi a volte ingenui a volte surreali la band molisana fa sorridere e accompagna con leggerezza e garbata ironia il passaggio dalla sera alla notte, sotto un cielo sempre più minaccioso.

 

Alle esibizioni si alternano - e così sarà per tutte e tre le serate - momenti in cui i due presentatori sul palco ricordano ai presenti il senso e l'importanza della manifestazione. Le immagini, i pensieri e le note di Danilo ci accompagneranno per tutto il festival in momenti incredibilmente toccanti, che ti fanno sentire molto, molto piccolo.

 

I Luminal entrano in scena sotto le prime gocce di pioggia, filologicamente in linea con le condizioni meteo previste per la serata: sono una tempesta. Di suono, di parole, di idee. I brani inediti, così come quelli della loro opera prima Canzoni di Tattica e Disciplina fanno appello agli elementi fondanti dell'animo umano. Il pubblico subiscce un discreto ricambio: le famiglie si defilano in gran parte verso il bar ed emergono i "giovani", quelli con l'aria un po' inquieta e un po' diffidente. Si sprecano calorose dichiarazioni d'amore per Alessandra Perna, che declama un sistema di pensiero sul quale si potrebbe tranquillamente fondare l'antireligione di un nuovo nichilismo.

 

Quando Giorgio Canali e i Rossofuoco salgono sul palco, dopo un'esaustiva presentazione, fanno appena in tempo a eseguire le prime note e il tempo decide di smettere di essere clemente. Si scatena un nubifragio violentissimo che allaga la piazza, crea cascate lungo le scale, si riversa a secchiate fra le assi del palco. Un vero peccato: Canali è l'headliner perfetto per concludere una serata all'insegna dell'altissima qualità.

 

Volendo fare dell'ironia senza cattiveria, si può supporre che, da una situazione così, qualche altra band della stessa scena avrebbe tirato fuori un singolo. Ma confidiamo nel fatto che non sia questo il caso.

 

E questo era, comunque, solo l'inizio...
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Foto: Fabrizio Bisegna

 

Città della Pieve questa sera ha accolto una delle formazioni basilari della storia - oltre del rock – di quella stupefacente miscela di country-blues che ha segnato il tempo fin da quel lontano Woodstock 69, ovvero i Canned Heat; sul palco i tre “sopravvissuti” di quell’eldorado musicale Fito De La Parra alla batteria, Larry Taylor al basso e chitarra e Harvey Mandel chitarra, insieme a Dale Spalding che si presta alla voce, chitarra e armonica.

 

Un pubblico fittissimo e colorato che va a pressarsi a pochi metri del palcoscenico per applaudire e battere il ritmo a tempo dettato da questa leggenda di musica, questa band attempata ma senza età che si lancia in sguardi divertiti e gioca col parterre in un italiano stentato; non manca qualche abbassamento di voce, un mixer che ogni tanto sbilancia o un “attacco” non proprio in sincrono, ma tutto è bypassato in allegria e grande entusiasmo come conviene in questi casi, dove la sospensione tra mito e realtà disegna un perfetto amarcord in una splendida serata d’agosto.

 

Unica data italiana per i Canned Heat, e unica occasione per risentire dal vivo quelle corde elettriche e quei sapori flower power che tornano ad inondare giovani menti e mature esperienze, quella meravigliosa mixture di rock, blues, boogie e country che ha abbattuto il tempo e che sembra sempre fresca e viva come appena incisa; è tutto un battimano e festa ritrovata quando volano per tutto il Viale Icilio Vanni le note e gli accordi caldi e libertari di On the road again, Goin’ up the country, Let’s work togheter, Living the blues, e se anche non ci sono più i fumanti “choopper” a fare da contorno a quella scenografia sconfinata delle infinite highways americane, si può notare che in giro ci sono tante nuove generazioni con la T-shirt dei Canned come segno inequivocabile di un mito che seguita a colpire e “mietere” consensi ben oltre le classificazioni anagrafiche.

 

Mentre un’enorme banana gonfiabile è lanciata sul pubblico, il quale immediatamente ne improvvisa un collettivo e festante set di pallavolo, i Canned Heat danno il meglio di sé riproducendo assoli e groove di Hammond che fanno trasalire in goduria la notte, e assestano colpi micidiali con Chicken shack, Bullfrog blues, Human condition, Don’t know where she want, Stand up for what you are, i grandi classici che hanno magnificato un’epoca e che qui, in questa cittadina medievale risuonano come inni indomiti di eterna gioventù.

 

E sì, anche quest’anno il Trasimeno Blues ci ha regalato brividi, nostalgie e supremi ritmi, ma questa dei Canned Heat è stata una genialità “imperdonabile”, una scossa di storia che non ci si aspettava minimamente, e mentre Città della Pieve piano piano va a svuotarsi, il flusso della Woodstock Wave seguita a girare tra torri e viuzze, come a cercare quella rinnovata libertà che non ha mai chinato la testa.

Grazie Canned Heat, grazie Trasimeno Blues, aspetteremo che il sogno si risvegli l’anno prossimo.